Соединённые Штаты Америки
- Просмотров: 27964
Рейтинг: 5 / 5
Соединённые Штаты Америки, государство в Северной Америке
Соединённые Штаты Америки (United States of America), государство в Северной Америке. С древнейших времён на территории США развивались художественные культуры индейских племён. К 9-4-му тысячелетию до н. э. восходят наскальные росписи, обобщенные каменные головы и мелкая пластика из камня. Интересны ярусные дома-селения (пуэбло), полуподземные святилища (так называемые кива) с фигурными и орнаментальными росписями, геометрические узоры и зооморфные рисунки на керамике индейцев юго-запада (с IV в. н. э.); выразительны фигурные сосуды, каменные, глиняные, деревянные изображения людей и животных, глиняные курительные трубки в виде стилизованных фигур животных у индейцев лесной зоны. В результате европейской. колонизации это искусство в основном исчезло. Сохранился ряд индейских художественных ремёсел: полихромная резьба по дереву у индейцев Северо-западного побережья, узорное ткачество, рисунки из цветного песка у индейцев юго-запада, роспись одежды и палаток (типи) и украшения из перьев у индейцев прерий. Древние художественные традиции до XX в. сохранялись на севере страны в искусстве алеутов и эскимосов.
В колониальный период (XVI в. - 1775) на территории США распространилась европейская культура - вначале испанская (на юге и юго-западе), затем голландская и английская (на северо-востоке) и французская (в низовьях р. Миссисипи). На территории Аризоны, Калифорнии, Техаса, Флориды и особенно Нью-Мексико традиции индейского монументального зодчества и опыт мексиканского строительства колониальной эпохи отразились в мощных укрепленных зданиях миссий и церквей с их лаконичными формами и резными порталами. Архитектура Новой Англии сформировалась под влиянием сурового климата и пуританского уклада жизни на основе английских средневековых традиций и простейших технических средств. В середине XVIII в. усадьбы плантаторов Виргинии и Мэриленда получали симметричную композицию в духе палладианства. К концу XVII в. началось упорядочение планировки городов на основе прямоугольных схем (план Филадельфии, 1682), но отдельные города сохранили стихийно сложившуюся сеть улиц (Бостон).
В изобразительном искусстве колониального периода господствовала портретная живопись, лишь на юго-востоке испанские католические миссионеры насаждали религиозное искусство. Портреты XVII - начала XVIII вв., проникнутые духом практицизма, точны и правдивы. В середине XVIII в. Г. Хесселиус, Дж. Смайберт, Р. Фик создали образы колонистов и индейцев, а во второй половине XVIII в. Дж. С. Копли выразительно запечатлел яркие характеры, энергию и практическую смётку американцев; в исторических сценах и портретах Б. Уэста идеализация сочеталась с интересом к этнографическим деталям.
Подъём национального самосознания, распространение демократических идей в период Войны за независимость 1775-83 отразились в культуре США рубежа XVIII-XIX вв. Для архитектуры американского классицизма характерны постройки архитектора Ч. Булфинча и Т. Джефферсона (государственного деятеля и мыслителя). В портретах Р. Эрла, Ч. У. Пила, Г. Стюарта созданы психологические образы героев революции и рядовых современников. Исторические композиции Дж. Трамбалла отразили героическое воодушевление участников освободительной борьбы. По плану П. Ш. Ланфана в 1790-х гг. началось строительство новой столицы - Вашингтона, где лучевые магистрали и торжеств, эспланада были наложены на прямоугольную сетку улиц; в господствующем над городом здании Капитолия (архитекторы У. Торнтон, Б. Латроб и др.) выявились тенденции парадной представительности, приёмы классицизма получили декоративное истолкование. После 1840-х гг. в архитектуре совершился поворот к неоготике и эклектизму.
С начала XIX в. разочарование в буржуазном рационализме проявилось в романтических чертах живописи У. Олстона, в пейзажах "школы реки Гудзон" (Т. Коул, Дж. Ф. Кенсетт). Получил распространение парадный портрет (Дж. Нигл, ряд произведений С. Морзе). В первой половине и середине XIX в. развивались и реалистические жанровые живопись (картины У. С. Маунта, Дж. К. Бингема, И. Джонсона), портрет (Т. Салли), пейзаж (акварели орнитолога Дж. Одюбона).
Характер массового строительства XIX в. определялся внедрением новых, рациональных типов конструкций; с 30-40-х гг. - деревянного "воздушного" каркаса в жилых домах, а с конца 40-х гг. - металлического каркаса в промышленных, торговых и административных зданиях (постройки инженера Дж. Богардуса). После Гражданской войны 1861-65 страна вступила в полосу интенсивного промышленного развития. Рост стоимости земли в деловых центрах требовал увеличения высоты построек. В 80-90-х гг. возник новый тип конторских многоэтажных зданий - небоскрёб. В несколько тяжеловесных постройках Г. X. Ричардсона обращение к романской архитектуре соединилось со стремлением к рациональности; его влияние помогло консолидироваться чикагской архитектурной школе, которая сложилась в ходе восстановления Чикаго после пожара 1871. Первые здания с полным металлическим каркасом построил У. Ле Барон Дженни. Последователь Ричардсона - Л. Салливен искал художественное решение облика высотных сооружений. В 80-90-х гг. в домах для состоятельных слоев романтическая живописность соединялась с представи- тельностью и уютом. Однако господствующим направлением в архитектуре США оставался эклектизм (Всемирная выставка 1893 в Чикаго).
В изобразительном искусстве второй половины XIX в. господствовало салонное искусство. Протестом против культуры преуспевающей буржуазии был полный мрачной фантастики символизм А. П. Райдера. Развитие демократического движения способствовало формированию американских живописцев-реалистов, опиравшихся на местную традицию и опыт европейского искусства, У. Хомер противопоставлял буржуазной городской цивилизации радости сельской жизни, суровый быт моряков и охотников. Т. Эйкинс правдиво изображал городскую жизнь, людей науки, искусства, спорта. Дж. Иннесс принёс в американский пейзаж опыт барбизонской школы. С импрессионизмом были связаны Дж. Э. М. Уистлер, мастер реалистического портрета и пейзажа, и М. Кассатт, автор картин на темы материнства. Отдавший дань салонным вкусам Дж. С. Сарджент создал ряд ярких психологических портретов. На американской живописной традиции основывался мастер натюрморта У. Харнетт. Скульптор О. Сент-Годенс создал реалистические памятники, портреты, надгробия.
В начале XX в. Ф. Л. Райт, развивая выдвинутый в теоретических работах Салливена принцип органической архитектуры, в жилых постройках достигал слитности с природой, эффектов "перетекающих" архитектурных пространств отдельных помещений. Близки по характеру работы архитекторов Калифорнии - братьев Ч. и Г. Грини и И. Джилла, предвосхитивших ряд черт функционализма. В 1900-х гг. А. Кан создал архитектурную фирму, которая проектировала крупные комплексы, сочетая практицизм экономического расчёта со смелостью инженерных решений. Идеи рационалистической архитектуры, выдвинутые чикагской школой, были надолго забыты в США и вернулись туда как европейская мода (жилые дома, строившиеся в Калифорнии с середины 20-х гг. архитектором Р. Нёйтрой). К началу 30-х гг. формы функционализма проникли в строительство высотных зданий (102-этажный небоскрёб Эмпайр стейт билдинг в Нью-Йорке, архитектурная фирма "Шрив, Лэм и Хармон"). Была сделана попытка создать в Нью-Йорке ансамбль высотных зданий в Рокфеллеровском центре (1931-40), в целом же формирование городских структур было стихийным. Вместе с тем в 20-х гг. появились новые идеи устройства "суперблоков", где пешеходы изолировались от движения транспорта (архитекторы К. Стайн и др.). Созданная в конце 30-х гг. В. Гропиусом и М. Л. Брёйером серия жилых домов в окрестностях Бостона положила начало региональному направлению в архитектуре Новой Англии, объединявшему функционализм с местной традицией.
В годы Второй мировой войны 1939-45 в США развивалось сборное строительство; был создан новый тип производственного здания - многопролётный блок с плоской крышей без естественного освещения. В послевоенные годы американская металлургия внедряла в строительство свою продукцию, стимулируя развитие "архитектуры стали и алюминия". Выдвинутые после войны лозунги "интеграции Запада" под эгидой США связывались с идеями создания "наднационального стиля", "универсального языка" архитектурных форм. Как эталон выдвигались произведения Л. Миса ван дер Роэ, стремившегося выразить "абсолютные" ценности в абстрактности элементарных геометрических фигур, ясности прямых углов, непрерывности стеклянной оболочки. Основанный на принципах Миса ван дер Роэ стеклянный параллелепипед Ливер-хаус в Нью-Йорке (1950-52) стал образцом для многочисленных повторений в США и Западной Европе.
Для конца 50-х гг. характерен переход к новому варианту неоклассицизма, проявившемуся в архитектурных произведениях Э. Д. Стоуна, постройках М. Ямасаки. Кульминацией неоклассицизма в 60-х гг. стал Центр исполнительских искусств имени А. Линкольна в Нью-Йорке (архитекторы У. К. Харрисон, Эро Сааринен и др.), с симметричной площадью, прямоугольными объёмами зданий и геометризированными портиками. Последним значительным произведением органичной архитектуры было здание Музея Гуггенхейма в Нью-Йорке (архитектор Райт). Сооружения "большого бизнеса" конца 60-х - начала 80-х гг. претендуют на роль представительных символов, воздействуя гигантскими размерами и массивностью вытянутых ввысь геометрических объёмов (две 110-этажные башни Центра международной торговли в Нью-Йорке, высота 412 м, архитекторы Ямасаки, Э. Рст и др.; башня торгового концерна "Сирс и Робак" в Чикаго, высота 442 м). Место кажущихся невесомыми стеклянных ограждений заняли мощные наружные каркасы и подчёркнуто массивные несущие наружные стены из железобетона или стали. Для работ Л. Кана характерно стремление к монументальности и напряжённости архитектурной композиции. Интеллектуализму Ф. Джонсона, создающего чёткие структуры массивных объёмов, противостоят подчёркнутая пластичность и контрастность сооружений П. Рудолфа. К. Рош стремится олицетворить силу США в образах угнетающей мощи. С конца 70-х гг. получает распространение архитектура постмодернизма, программно ориентирующаяся на обыденные вкусы и настроения массового сознания. Представители этого направления (Р. Вентури и др.) свободно заимствуют и гротескно переосмысляют архитектурные формы любого стиля (Пьяцца д'Италия в Нью-Орлеане, архитектор Ч. Мур). В целом американская архитектура 60-80-х гг. характеризуется нестабильностью и хаотичностью архитектурных направлений. В середине XX в. построен ряд жилых комплексов в Нью-Йорке, реконструируются районы Бостона, Филадельфии, Нью-Хейвена и др. Возникли массивы урбанизированных территорий, где стихийно сложилось чередование жилых, промышленных и деловых зон. Сверхвысокая концентрация зданий в городских центрах сочетается с бесформенным расползанием малоэтажной жилой застройки на огромных площадях. Строительство систем скоростных автомагистралей не решило проблемы нормального функционирования городов. Загрязнение среды привело к упадку внутренних зон городов, к отливу имущего населения во внешние пояса, созданию городов-спутников для "средних слоев" в природном окружении (Рестон и Колумбия близ Вашингтона) и к росту трущоб в соседстве с центрами.
В начале XX в. усилились реалистические тенденции американского изобразительного искусства. Развитие прогрессивных направлений протекало в борьбе с салонным искусством и модернизмом. Вокруг основателя новой реалистической школы Р. Хенри объединились Дж. Слоун, Дж. Лакс, У. Глаккенс и другие живописцы и графики ("школа мусорного ящика"), разносторонне показавшие социальную жизнь капиталистического города; глубоко и сильно раскрывал её противоречия Дж. Беллоуз. Сложилась и после 1917 окрепла политическая графика (А. Янг, Р. Майнор, У. Гроппер, Ф. Эллис; художники Джон-Рид-клуба, основанного в 1929, - Х. Геллерт, Дж. Бёрк), связанная с рабочей прессой и отмеченная гневной сатирой, лапидарностью стиля. Крупнейшие прогрессивные художники XX в. Р. Кент, а также Э. Хоппер, И. Ч. Бёрчфилд развивали американские реалистические традиции в живописи и графике, дополняя их глубокими размышлениями о современной жизни, стремясь к обобщённости, чёткости форм. В скульптуре выразительные реалистические образы создали Дж. Эпстайн, У. Зорах, П. Мэншип. В 30-х гг. развивается националистическое художественное течение - регионализм (Т. X. Бентон, Г. Вуд, Дж. С. Карри), отобразивший пуританскую ограниченность и оптимизм провинциального "стопроцентного американца". Успехом начала пользоваться примитивистская, большей частью идиллическая живопись самоучек ("бабушка" А. Мозес, X. Пиппин, Дж. Кейн). Развивались живопись и графика, в которых прогрессивная политическая тенденция выражена в резко экспрессивной и подчас гротескной форме (Б. Шан, Ф. Эвергуд, Дж. Левин). После "Арсенальной выставки" (1913, Нью-Йорк) в США начало развиваться и модернистское искусство - красочные урбанистические фантазии Дж. Марина, абстрактная символика А. Дава, футуризм Дж. Стеллы, дадаизм М. Рея и т. д. Попытку создать чисто американский вариант модернизма предприняли С. Дейвис и "прецизионисты" (Ч. Шилер, Ч. Демут), чьи композиции с обобщёнными формами и пятнами чистого цвета были навеяны индустриальной техникой и рекламой. В 30-х гг. в живопись США проник сюрреализм (Дж. О'Кифф), сюда переехал ряд европейских его представителей (С. Дали, И. Танги). С сюрреализмом граничит мрачное искусство О. Пиккенса и А. Олбрайта с его пессимизмом, культом распада всего живого. В 40-х гг. возник и быстро распространился "абстрактный экспрессионизм" (Дж. Поллок, А. Горки, В. де Кунинг, М. Ротко), который культивировал стихийную эмоциональную выразительность импульсивной манеры и цветовых пятен. В скульптуре аналогичное положение заняли металлические абстрактные конструкции, иногда подвижные, - так называемые мобили (см. Кинетическое искусство) А. Колдера, Д. Смита, Р. Липполда. В 50-60-х гг. США стали родиной поп-арта (Р. Раушенберг, Дж. Джонс, Э. Уорхол, Р. Лихтенстайн), смыкавшегося с приёмами "массовой культуры". Вслед за тем распространились искусство самодовлеющих оптических эффектов оп-арт, концептуальное искусство и различные течения, сводящие творчество к субъективному "волеизъявлению" художника. У молодых художников возрастал интерес к предметности, изобразительности, к политической активности искусства. В начале 70-х гг. возник гиперреализм ("фотореализм"), иллюзионистически воспроизводящий отдельные, подчас случайные фрагменты жизни. В сложных условиях развивались тенденции реализма, представленные гуманистической живописью Э. Уайета и др. К изображению простых людей США обратились Р. и М. Сойер, И. Олинский, Дж. Бичемп и др. Напряжённым социально-критическим пафосом проникнуто искусство А. Рефрежье. В декоративно-прикладном искусстве выделяются мебель и серебряная утварь XVII-XVIII вв., стекло в стиле "модерн" (Л. К. Тиффани). Американский дизайн сформировался в конце 20-30-х гг. под влиянием чикагской архитектурной школы и европейского рационализма (в т. ч. "Баухауза"): он носит в целом коммерческий характер, а его методы часто сводятся к эффектному, броскому оформлению промышленной продукции ("стайлинг"). Дизайнерская деятельность сосредоточивается в специализированных фирмах и в бюро промышленных компаний и предприятий. Среди американских дизайнеров - X. Эрл, Г. Дрейфусе, Ч. Имс, У. Д. Тиг, Н. Б. Геддес, Р. Лоуи. Мебель, осветительные приборы и т. д. нередко выполняются по проектам крупных архитекторов (Ф. Л. Райт, Э. Сааринен, Ф. Джонсон).
Лит.: ИСиНМ, т. 4, М., 1978; ВИИ, т. 4-6 (кн. 2), М., 1963-66; ВИА, т. 7, 10-11, М., 1969-73; А. Д. Чегодаев, Искусство Соединенных Штатов Америки. 1675-1975. Живопись. Архитектура. Скульптура. Графика, М., 1976; А. В. Иконников, Архитектура США, М., 1979; Современная архитектура США. Критические очерки, М., 1981; Green S. М., American art. A historical survey, N. Y., 1966; Hunter S., Modern American painting and sculpture, 9 ed., N. Y., 1969; Whiffen M., Koeper F., American architecture. 1607-1976, L., 1981.
Комментарии
Эта картина написана в 1953 году. Поэтому можно смело заявлять, что Виллем де Кунинг является нашим современником. У художника есть шесть картин из серии о женщинах. И картина Женщина 3 одна из этих шести работ. Эта модель стала очень известной картиной.
Писатель очень увлекался написанием портретов, он был поглощен именно таким работами. Только человек, не имеющий вкуса, не увидит в картинах художника ничего, кроме пустоты. Если присмотреться и вдуматься в замысел Кунинга, в его картинах и портретах можно многое прочитать.
Женщина изображенная на картине несколько необычная. Все женщины, которых художник изображал, отличались тем, что необходимо вдумчиво и продолжительно наблюдать за его творением, чтобы выявить смысл, вложенный в эту работу. Оригинальность и необычность героин, отличает великого мастера от остальных соотечественников.
Картина «Женщина 3» также является неповторимой в своем роде. Она даже отличается от остальных работ этого же художника. Всех женщин он описывал в одном стиле. Эта же героиня несколько иначе изображена. Как?
Чем же отличается дама на этой картин от остальных кунинговских женщин? Интересно, что все женщины были задумчивы или серьезны. Но особа, о которой сейчас идет речь, весьма добродушна, а также веселая. Поскольку глаза у нее широко открыты, возможно, это передает ее излишнюю доверчивость и наивность. Из этого следует еще один вывод. Вполне вероятно, что эта персона так наивна в силу своего юного возраста. Если еще внимательнее посмотреть, увидим то, как юная леди, с аккуратностью придерживает свое прозрачное платье по краям.
Головной убор дамы, напоминает корону. Это может говорить о том, что данная особа является одной дамой старинного и благородного роду. Может быть, она в будущем станет королевой. Не исключен и тот вариант, что она может быть обручена с одним из государственных деятелей.
Какой ни была правда, этот шедевр может натолкнуть вас на собственные открытия и чувства прекрасного.
Две с половиной тысячи работ. Именно столько создала за 70 лет из 99 прожитых на свете американская художница Джорджия О Кифф. И хотя любимыми тематиками у нее были растения и, как ни странно, черепа и кости животных, среди сотен произведений находятся и такие, как представленная картина «Из Озера».
Попробуйте описать море. А землю? Луну? Либо не получится ничего путного, либо не хватит бумаги, чтобы рассказать о тех ощущениях и мыслях, возникающих, глядя на подобные объекты. Примерно так происходит, когда сталкиваешься с творчеством О Кифф. Потому как кажущееся на ее полотнах изображение чего-либо, например, цветка, если присмотреться, весьма напоминает женское лоно, «законспирирова нное» нежными лепестками.
Сюжет картины «Из Озера» не определен, поскольку его попросту нет. Смешение линий, граней, форм — будто волны, поднявшиеся на поверхность спокойного до сей поры озерка, играющие насыщенными красками и тонами. Не ждите, что увидите что-либо выплывающее, или кого-нибудь выходящего из водоема, как заявлено в названии. Вряд ли оттуда кто-то покажется.
Просто любуйтесь фантазией автора произведения, на котором, как знать, быть может, разглядите что-то совершенно иное, не замеченное ранее. Это словно тайна, и чем больше всматриваешься в это полотно, тем больше погружаешься в водоворот неосязаемых эмоций. Ведь, как известно, для творца нет ничего хуже, чем рассказывать окружающим, о чем, собственно, его работа.
Каждый обязан «дойти» и «домыслить» в одиночку, и когда наступит «озарение» — получить ни с чем не сравнимое удовольствие от проделанного умственного труда. Поэтому если вы не сразу поняли, о чем картина «Из Озера», познакомьтесь с другими полотнами художницы, дабы потом не было мучительно больно за то, что не знаете, кто же такая Джорджия О Кифф.
Американский художник Марк Ротко не очень известен у нас в России. Но, несмотря на это его картины продаются на аукционах за сотни миллионов долларов. Что же делает его картины такими дорогими? Ведь на первый взгляд большинство картин Ротко – это квадраты, цветные линии и смешение цветов. На самом деле, автор вложил большой смысл в свои картины, именно поэтому многие утверждают, что им нет цены.
Марк Ротко писал в стиле абстрактного экспрессионизма . Для этого сюжета характерны непонятные сюжеты, необычные сочетания, а изображения легки в своём исполнении.
Картина «Белый цент» также непонятна на первый взгляд, как и все творения экспрессионисто в. На картине мы видим три полосы. Снизу ярко-розовая, в центре – белая, чуть выше белой полосы мы видим тонкую черную, сверху – жёлтая полоса. Именно разноцветные полосы характерны для творчества Ротко. Он любил творить на больших полотнах, используя самые яркие цвета и их сочетания. Это и было отличительной чертой изобразительног о искусства 50-х годов двадцатого века.
Многие до сих пор спорят, имеют ли смысл все эти полосы, цвета и размеры? Некоторые утверждают, что смысла нет, а художник всего лишь хотел передать свои эмоции через такие краски. Ну, а те, кто любит философствовать говорят, что белый цвет в середине символизирует наши мечты и надежды. Черный – это образ всего плохого, что есть на земле. А яркие цвета – это символ того, что всё в этой жизни прекрасно.
Некоторые считают, что так художник показал нам день. Розовы – рассвет, белые – день, желтый – закат, а черный – ночь. Сам же автор говорил, что творит ради удовольствия.
Каждый сам для себя должен решить, искусство это или баловство. Но картины Ротко набирают всё большую популярность. Возможно, люди начинают замечать какие-то удивительные черты, а возможно это всего лишь отличная реклама и мода на экспрессионизм.
Злые языки называли Уорхола ремесленником от искусства, и в чем-то это даже было близко к правде. Дело в том, что Уорхол был ближе всего к поп-искусству. Совмещая в одном фотографию, дизайн и живопись он получал довольно спорные работы, художественная ценность которых кажется приверженцам классиков сомнительной.
«Доллары» — целая серия его работ, основанная на технике копирования, изобретенной им же самим. Сетку пропитывали фотоэмульсией и накладывали на неё диапозитив, после чего всю конструкцию засвечивали. На местах освещенных получалась застывшая пленка.
Все остальное смывалось и получался трафарет, с помощью которого можно было легко раз за разом воспроизводить одно и то же изображение. Так создавались портреты Мерлин Монро и Элизабет Тэйлор, а многочисленные противники подобного подхода (образовавшиеся одновременно с его созданием) высказывали громкую и довольно злую критику. Ими подобный подход назывался ремесленным, лишенным души и индивидуальност и подхода, а потому не заслуживающим названия искусства.
Уорхол все подобные выкрики проигнорировал – за работы его платили большие деньги, он был на своеобразной вершине славы и то, что кому-то не нравились способы, которыми он этого достигал, ему было абсолютно безразлично.
«Доллары» лишены глубокого символизма и представляют из себя разноцветные знаки доллара на черном фоне. Сине-оранжевые, желто-зеленые, они выглядят кричащими и вызывающими, словно предлагая задуматься о том, сколь много для людей значат деньги.
Для каждого в картине скрыт свой смысл. Кто-то видит, как доллар придает смысл жизни – черной, пустой, когда ты без денег – кто-то, напротив, думает о том, как прогнил мир, в котором бумажка со знаком стоит больше, чем человеческая жизнь.
И та, и та точка зрения имеют право на существование. Плюс творчества Уорхола – в его поливариантност и.
Работу Энди Уорхол «Мэрилин Монро» приравняли к портрету Джоконды. Этот портрет использовался широко в Голливуде, изображение приобрело такую популярность, что после смерти дивы полотно было продано за приличную сумму.
Для самого художника работа оказалась знаковой, он немало реализовал коммерческих проектов на ее основе. Интересно, что именно этот образ знаменитой Мерилин Монро и запомнился, а ведь актриса за свою непродолжительн ую жизнь сменила несколько образов.
Мерилин изображена в своем индивидуальном стиле. Она улыбается, а ее глаза полузакрыты. Такой взгляд придает образу сексуальности и загадочности, так манящей мужчин. Яркая помада оттеняет белизну зубов и делает акцент на губах.
Художник создал портрет в духе импрессионизма, но все же отобразил истинный такой популярный образ актрисы. Несмотря на кажущуюся внешнюю привлекательнос ть, в портрете заложен глубокий смысл.
Образ Мерилин служил всего лишь красивой оберткой, так привлекающей многочисленных поклонников. Ее воспринимали как секс-символ и красивую женщину целой эпохи. Еще долгие годы после ее смерти женщины во всем мире копировали этот оригинальный стиль, открывая в себе сексуальность и привлекая представителей противоположног о пола.
Никого не волновали внутренние переживания этой красивой женщины, которые и привели ее к печальному концу. Она на самом деле была очень неуверенной в себе, за кажущейся уверенностью скрывался застенчивый ребенок. Мерилин считала свою актерскую карьеру неудачной и мечтала о серьезных ролях.
Режиссеры видели ее лишь в образ сексуальной соблазнительниц ы. Внутренние противоречия, депрессия, неудачи в личной жизни и отсутствия детей скрывались за маской такого красивого портрета. Уорхол был основателем целого цикла портретов Мерилин, написанных в этом стиле после ее смерти.