Пикассо Пабло
- Просмотров: 60557
Рейтинг: 5 / 5
Пикассо Пабло, французский художник
Пикассо Пабло (Picasso; собственно Руис-и-Пикассо, Ruiz у Picasso) (1881-1973), французский художник. Испанец по происхождению. Учился у своего отца - X. Руиса, в школах изящных искусств в Ла-Корунье (1894-95), Барселоне (с 1895) и Мадриде (1897-98). С 1904 постоянно жил во Франции. Первые значительные произведения Пикассо создал уже в начале 1900-х гг. Картины "голубого периода" (1901-04), написанные в почти монохромной гамме голубых, синих и зелёных тонов, и "розового периода" (1905-06), в колорите которых преобладают тёплые розово-золотистые оттенки, посвященные теме трагического одиночества обездоленных (слепых, нищих, бродяг) и романтической жизни странствующих комедиантов ("Старый нищий с мальчиком", 1903, "Девочка на шаре", 1905, - обе в ГМИИ).
С середины 1900-х гг. Пикассо совершает поворот к резкой, разрушительной деформации реальных форм действительности. Его искусство этих лет откликается на социально-исторические кризисы жизни кризисом всего своего состояния, идеалов, творческого метода. Сознательная деформация натуры ("Авиньонские девицы", 1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк) приводит Пикассо (вместе с Ж. Браком) к созданию кубизма ("Дама с веером", 1909, портрет А. Воллара, 1910, - оба в ГМИИ). В середине 10-х гг. творчество Пикассо переживает новый перелом. Наряду с отвлечённо-деструктивными композициями ("ассамбляжи"), завершающими период кубизма, он создаёт жизненно- выразительные портреты, антимодернистские по своему строю ("О. Хохлова", 1917, Музей Пикассо, Париж). С этого времени в искусстве Пикассо постоянно пересекаются и противоборствуют гуманистическое жизнеутверждающее начало и отвлечённое формотворчество. Он создаёт классически ясные, глубоко человечные образы ("Три женщины у источника", 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк, "Мать и дитя", 1922, Художественный музей, Балтимор; иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, офорт, 1931, серия "Мастерская скульптора", входящая в "Сюиту Воллара", офорт, 1933-34), портреты современников, людей из народа (рисунки - "Рыбак", карандаш, 1918; "Отдыхающие крестьяне", перо, 1919). Резким контрастом по отношению к этим произведениям являются многие работы 20-30-х гг., отмеченные безудержной трансформацией действительности ("Танец", 1925, частное собрание), полемической эстетизацией безобразного ("Женщина на пляже", 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Обе линии - гуманистически-элегическая и иррационально-фантастическая - сталкиваются в серии офортов "Минотавромахия" (30-е гг.), воплощающей в символическом образе Минотавра (человека-быка) извечную борьбу светлого, разумного начала с тёмным, слепо инстинктивным; серия словно проникнута острым предчувствием той трагедии, в которую вскоре будет повергнут мир. Со второй половины 30-х гг. творчество Пикассо всё сильнее пронизывают отзвуки современных событий. Его реакция на господствующий в буржуазном мире дух насилия, попрание человеческих прав, боль и страдания людей получает метафорическую окраску, зачастую выражается языком мрачного гротеска, в искажённых, режущих глаз формах ("Плачущая женщина", 1937, собрание Пенроз, Лондон). С этого же времени во всей полноте начинает выявляться общественная позиция Пикассо. Он становится видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвует в борьбе испанского народа с фашизмом (1936-39). Человеконенавистническая сущность фашизма разоблачается Пикассо в серии "Мечты и ложь генерала Франко" (акватинта, 1937), гневным протестом против фашистского террора является панно "Герника" (1937, Прадо).
В годы второй мировой войны 1939-45 Пикассо остаётся в оккупированной немецко-фашистскими войсками Франции и принимает участие в Движении Сопротивления, вступает в ряды Французской коммунистической партии. После войны он находится в первых рядах борцов за мир и демократию. Гуманистические воззрения Пикассо особенно проявляются в таких его работах, как рисунок "Голубь мира" (тушь, 1947), ставший символом движения за мир; панно "Мир" и "Война" (1952, капелла "Храм Мира" в Валлорисе). Со второй половины 40-х гг. в живописных работах он нередко возвращается к античным реминисценциям, часто в гротескной форме интерпретирует картины старых мастеров ("Лас Менинас" Д. Веласкеса, "Расстрел" Ф. Гойи), работает как скульптор ("Человек с ягнёнком", бронза, 1944, Валлорис), керамист и как график, использующий широкий диапазон техник (рисунок, офорт, линогравюра и др.) и изобразительных средств. В эти годы вновь проявляется характерная для творческого метода Пикассо метафоричность (цикл рисунков "Человеческая комедия", 1953-54), обращение к постоянным, излюбленным темам - цирку, бою быков, античной мифологии, мотивам художника и модели. Большое место в его наследии занимают женские портреты.
Творчество Пикассо оказало большое влияние на искусство XX в. Воплотив в себе едва ли не все главные тенденции западноевропейского искусства XX в., оно противоречиво сочетает в себе передовые общественные стремления и глубокие кризисные явления. Пикассо прошёл сложный путь, но в ответственные исторические моменты он осознавал своё место - место борца за прогрессивные идеалы.
В 1950 Пикассо был избран во Всемирный Совет Мира. Международная премия Мира (1950) и Международная Ленинская премия "За укрепление мира между народами" (1962).
Соч. в рус. пер., в кн.: Мастера искусства об искусстве, (т. 5. кн. 1), М., 1968, с. 299-316.
Лит.: Графика Пикассо. [Альбом], М., 1967; Н. А. Дмитриева, Пикассо. М., 1971; ее же, Судьба Пикассо в современном мире, в сб.: Советское искусствознание '82, в. 2; В. М. Полевой, П. Пикассо, там же; [М. В Зубова], П. Пикассо. Актеры и клоуны. [Альбом], М., 1976; Zervos Ch., P. Picasso. Catalogue gйnйral des oeuvres de 1895 а 1963, v. 1-23, P., 1932-71; A Picasso anthology: documents, criticism, reminiscences, L., 1981; Picasso. 1881-1981…, P., 1982; Cabanne P., El siglo de Picasso, v. 1-2, Madrid, 1982.
Комментарии
Картина Диего Веласкеса «Менины», которая носила еще одно название «Семья Филиппа IV», написана в 1956 году и является одной из самых известных картин в мире. На данный момент хранится в музее Прадо в Мадриде.
В музее Пикассо в Барселоне хранятся не менее известные всему миру 58 вариаций на тему «Менин», написанные Пабло Пикассо в 1957 году и названые «Менины. По Веласкесу».
Художник написал 44 полотна на протяжении 4 четырех месяцев, в которых картина в целом и образы из нее поддались доскональному изучению. Пикассо отказался от реалистичной манеры письма и использовал технологию «пластических символов», которая является символикой трансформирующе гося пространства, открытых локальных цветов и геометрических фигур. К 1957 году Пикассо обретает полную творческую свободу, пройдя перед этим через ряд экспериментов, которые позволили ему создать свое видение жизни.
Художник подошел к исследованию картину с философской точки зрения: каждый образ рассмотрен, как минимум, с двух сторон, сторон добра и зла. Собака может быть как черным колючим волком, так и белым невинным существом. Первым персонажем справа является мальчик Николасито, который может олицетворять детство и непосредственно сть и, в то же время, являться символом агрессии.
И в первом, и во втором варианте обыгрывается один и тот же треугольник и красный цвет. Фрейлина, подающая стакан, Мария Агустина Сармьенто, вобрала в своем образе детскую наивную трогательность, перерастающую в злобу. Финальным образом является зеленый треугольник – символ смерти, в который переходит лицо маленькой девочки, перед этим преобразившееся в белую гипсовую маску.
Произведение «Две женщины, бегущие по пляжу» было написано П.Пикассо во время отдыха на побережье залива Ла-Манш. Мастер в то время был женат на Ольге Хохловой, стал отцом и был счастлив. Этот период творчества художника пропитан реализмом, его даже обвиняли в смене стиля. Картина написана в стиле неоклассицизм. Казалось бы, реальный сюжет, две бегущие женщины, но изображение передано через призму понимания художником своей реальности.
Взору поддаются не тонкие и легкие женщины того времени, бегущие богини и идеалы красоты. Это две обычные располневшие женщины с неухоженными руками и ногами. Фигуры героинь Пикассо сделал непропорциональ ными, где-то даже неестественными . Несмотря на крупные силуэты, девушки бегут легко, буквально паря над землей.
Картина пропитана легкостью, полетом. Реальность искажена, но не потеряна окончательно. Женщины выглядят свободными, ветер развивает волосы, а взгляд одной героини направлен к небу. Она мечтательно закинула голову, на ее лице читается вдохновение и удовлетвореннос ть. Создается ощущение полного счастья и гармонии.
Оголенная грудь свидетельствует об отсутствии зажатости, рамок и ограничений. Абсолютный простор бытия и свободного бега. Все внимание отнимают женские фигуры, художник же фон сделал очень простым. Едва можно отделить небо от морской глади. Плывущие облака и небесная глубина говорит о хорошей погоде, располагающей к прогулкам. Море символизирует бесконечность, как и бег героинь. Бесконечный свободный бег. Свободный бег от комплексов и предрассудков, от жизненных рамок и общественного осуждения.
Сложно представить в то время реальную картину бегущих вот так женщин. Скорее всего, это была фантазия П.Пикассо, воплощенная через понимание своей индивидуальной свободы. Такое воплощение душевного и физического полета понятно не только ценителям живописи, но и обычным людям. Эта работа одна из самых популярных П.Пикассо.
Картина «Семья комедиантов» была написана в Париже. П.Пикассо жил в общежитии, полуразрушенном здании. Его друзья любили цирк, это увлечение передалось и художнику. Героями его работ становятся работники цирка, актеры театра. В то время они не зарабатывали больших денег, а их жизнь больше походила на жалкое существование.
Сюжет картины веет грустью. Видимо происходит расставание близких людей. Арлекин с шарфом на шее грустно смотрит на стоявшего напротив располневшего мужчину. Скорее всего, шарф символизирует ограничение, возможно актер находится в определенных рамках, которые его гнетут. Костюм в клетку, так часто потешающий публику, наоборот делает образ унылым.
Девочка с грустью смотрит под ноги, видимо ей тяжело переживать эти минуты. Этот образ навеян П.Пикассо музой, как и в картине «Девочка на шаре». Черные крылья девочки омрачают ее образ и своего рода ограничивают свободу. Возможно, за нее была заплачена очень большая цена. Образы юношей немного развернуты, они отрешенные от прощания, смотрят в сторону превосходной дамы. Мужчина в красном костюме скорее всего глава клана. Его фигура символизирует успешность и удовлетвореннос ть жизнью. Он разговаривает с арлекином.
Картина рассказывает о личных переживаниях художника. Таким образом, П.Пикассо показывает свое отношение к искусству в целом. Это он в образе печального арлекина, с девочкой за руку, которая символизирует его музу. Он разворачивается , прощается и уходит от сытой и довольной жизни. Его шарф на шее сдавливает горло и ограничивает волю. Ему больше не нравится ни обеспеченность, ни шикарные дамы. Он хочет жить ради искусства, по своим правилам.
Художнику не нужны зрители, успех и продажа произведений. Эти рамки обескрыливают его музу, для творца это невыносимо. Безусловно, ему печально со всеми прощаться, но иначе художник просто не может. Картина передает непростой душевный мир творческого человека.
Картина была написана в 1917 году. В этот период своего творчества художник вернулся к классической технике портрета. На картине изображена жена П.Пикассо Ольга Хохлова. В то время художник чувствовал себя умиротворенно, он стал отцом. Критики осуждали живописца за его чрезмерный реализм и предательство своего стиля. Хотя те же люди до этого критиковали Пикассо за его кубизм. Такая перемена стиля характеризуется душевной гармонией художника, хотя просматривается некая похожесть и ограниченность творческого полета.
Ольга сидит в кресле расслаблено, ее взгляд сосредоточен. Во взгляде прослеживается тоска, даже некое подчинение. Ее закинутая на спинку кресла рука демонстрирует усталость, возможно, ее утомило длительное позирование. Выгодно оттеняет и фигуру, и цвет кожи темный фон. По рассказам современников, Ольга Хохлова не была женщиной привлекательной.
Успешный среди женщин П.Пикассо удивил всех своим выбором. Их брак продлился более десяти лет. Для Ольги вместе с окончанием брака пришел конец ее жизни. От картины также веет усталостью и трагизмом. Свободная поза и сжатые губы рассказывают о напряженности женщины. В современном понимании красоты, жену П.Пикассо нельзя назвать дурнушкой. Одежда женщины передает моду того времени и демонстрирует красоту парижского стиля. Именно в этот период супружеская пара проживали в Париже.
Несмотря на критику окружающих, Ольга Хохлова оставалась для П.Пикассо музой. Об этом говорит и ее портрет. Художник изобразил супругу красивой и современной женщиной своего времени. Он всегда говорил, что отображает реальность именно так, как чувствует в данный момент. Видимо в период семейной жизни ощущение реальности великого мастера было похоже на мироощущение обычного человека. Именно в этом так часто и упрекали художника.
Характерной чертой творчества Пабло Пикассо, в начале прошлого века, была пессимистичност ь. Художника не оставляли тяжелые философские думы о смысле собственного существования, об отношении зрителей к его произведениям и о его месте в истории мировой живописи. Все эти грустные мысли нашли отражение в работах Пикассо, выполненных в тот, созидательный для него, период жизни.
Пикассо нередко посещал парижские кафе. Такие места были известны как, своего рода, биржи, где артисты, мимы и акробаты иногда могли найти себе работодателя.
На полотне изображены артисты, сидящие за столиком в подобном заведении. Взгляд арлекина выражает внимание, смешанное с нетерпением. В надежде, что сегодня получиться найти хоть какую-нибудь работу, он всматривается в посетителей кафе. Он очень напряжен, об этом говорит то, что он покусывает ногти на одной руке, а второй теребит свое ухо.
Взглянув на его подружку, становится понятно, что девушка в глубокой задумчивости рассеянно перебирает свои мысли. С отсутствующим взглядом и печальным выражением лица она не пытается тешить себя какими-либо надеждами.
Оба молодых человека измотаны тяжелой жизнью, выпавшей на долю бродячих артистов. Зрителю передается их настроение и сочувствие к их непростой судьбе.
Задумка автора описать в этой картине не только творческий союз, но и подчеркнуть различие взглядов на жизнь у мужчины и женщины. Мужчина здесь изображен энергичным, готовым найти способ заработать на жизнь. Женщина возлагает заботу о себе на своего спутника, а сама предпочитает пребывать в пассивном мечтательном состоянии.
Доминирующее в композиции присутствие синего цвета прибавляет настроению грусти и легкой апатичности. Цветовую гамму автор решил разбавить красными тонами, символизирующим и надежду и стремление достичь более удачных времен.
Известный художник Пабло Пикассо создал знаменитый эскиз в 1955 году. Этот эскиз завоевал популярность среди ценителей его творчества. Пикассо изобразил в своей знаменитой картине Дон Кихота на лошади, его друга Санчо Панса на осле, солнце и четыре ветряные мельницы. Он работает очень уверенно и смело, его линии словно черные каракули на абсолютно белом листе бумаги.
Санчо Панса, сидя на своем ослике, смотрит на своего высокого друга, который уставший, изможденный дорогой, смотрит вдаль. У них довольно – таки благородная осанка, несколько уставшая от дальней дороги. Тело скорей всего было изображено несколько раз, на голове находится шлем, шея нарисована одной линией, резкий нос, козлиная бородка. У него копье в правой руке, а щит – в левой.
У его друга Санчо Панса тело нарисовано неопределенной массой, в которой слегка просматривается куртка. Пикассо меньше внимания уделил ему, основной его взгляд был кинут на Дон Кихота. Рисунок яркий, полон движения, эмоций, четких линий.
Картина выполнена в черно – белом цвета, чернила размещенные на бумаге говорят о неугомонной энергичности художника, полной свободе, внутренне энергичности. Черные штрихи, выполненные на белой бумаге, удивляют смелым, простым и четким тоном, выполненным смелыми и легкими линиями. Дон Кихот и ветряная мельница, находящаяся между ним и его другом, выполнена более смелыми линиями, подчеркивая тем самым важность фигуры.
Санчо Пансо и остальные фигуры, находящиеся на картине, теряются в фоне полотна. Темными элементами Пикассо изобразил, то, что поглощал ум главного героя, преображал от повседневного до мистического. Лошадь, как самостоятельная фигура, ветреная мельница, земля – все это находило необыкновенное преображение в мыслях героя.
Пикассо – один из основоположнико в кубизма. Сначала он писал в реалистичной манере, но потом, не удовлетворившис ь этим, начал постепенно разбивать реализм на составляющие детали, вместе с изображениями словно бы препарируя вселенную. Это можно проследить по его работам, если смотреть на них последовательно .
Первые из них реалистичны и показывают мир во всей его полноте (или пытаются). Потом они постепенно начинают упрощаться, становясь все более схематичными. Сначала исчезает объем, оставляя на месте шаров и кубов одни только плоскости, которые движутся.
В них сложно разглядеть сюжет, но он есть, и если правильно смотреть, можно увидеть динамику, которая далеко не всегда свойственна трехмерным изображениям. Затем исчезает и тот объем, что могли дать плоскости и рисунок становится бесповоротно двухмерным. Он начинает выражать основную мысль линиями, не оглядываясь на принципы академизма и действуя исключительно в интересах цели.
После этого остаются только цветные пятна, в которых все ещё можно рассмотреть сюжет – порой более выразительный, чем у других художников, творящих в более консервативной манере. Когда же был пройден весь этот путь, Пикассо с новым знанием вновь вернулся к реализму, словно скакнув через все пройденное расстояние одним скачком.
Его «Женщина с гитарой» — творение предпоследнего периода. В ней нет ничего объемного, она, фактически, всего лишь ограниченная несколькими линиями фигура из черного и белого. Но, между тем, видно, что она держит гитару ласково, как ребенка, что она довольна собой и улыбка у неё на губах нежная, милая, несмотря на то, что обозначена лишь парой стихов. Кажется, что стоит женщине запеть – и польется чистая мелодия, лишенная и смысла, и сюжета, и слов, являющаяся единственно только гармонией.
Пикассо – основоположник кубизма, который, как рассказывают, начался с того, что один из учителей сказал Пикассо: «Необходимо помнить, что любой объект – это совокупность геометрических фигур. Попробуй раздробить объект на фигуры и собрать заново, чтобы понять, как ложатся на него свет и тень».
Учитель, конечно, имел в виду, что нужно постоянно помнить, что любая сложная фигура – лишь совокупность простых фигур, изображать которые умеет любой, даже начинающий, художник. Но Пикассо воспринял совет буквально и, постепенно разочаровавшись и в академизме, и в классицизме, и в реализме, принялся переосмысливать окружающую действительност ь, упрощая её все больше и больше. Форму низведя в самую мелкую ценность, он делал упор на содержание, не руководствуясь в его выражении никакими догмами и канонами.
«Купальщица» — картина, представляющая любимую его тему. Видя в сочетании воды и женского тела некую особенную, естественную красоту, Пикассо раз за разом возвращался к этой теме, создавая «Купальщицы, наблюдающие за самолетом», «Три купальщицы», «Купальщица, открывающая кабинку» и прочие подобные.
От раза к разу стиль работ упрощался, становился все более плоским и простым, и в результате «Купальщица, открывающая кабинку» представляет из себя желтое пятно формы столь неопределенной, что чтобы опознать в ней человека, нужно приложить некоторые усилия. После же этого Пикассо вдруг возвращается к классицизму, привнося в него свой потусторонний, кубический опыт.
«Купальщицы» — лежит где-то на пути к этому моменту и представляет из себя набор плоскостей и острых углов, в которых – прищурившись, присмотревшись – можно увидеть бегущую к воде девушку. Движения её легки и порывисты, и остается в её изображении только суть – эта легкость шага, это желание поскорее окунуться в сияющую воду.
Данная картина была создана известным художником Пабло Пикассо. Время ее создания датируется 1955 годом. Неоднок ратно искусствоведы отмечали, что серия картин «Алжирских женщин» является лучшей работой великого художника.
Состоит она из пятнадцати картин, каждая из которых обозначена соответствующей буквой алфавита. Тематика картин соответствует восточному стилю. Описываемая картина пятнадцатая по счету. Ее можно распознать под буквой О. На данный момент она пребывает в одной из частных коллекций.
Отметим, что «Алжирские женщины» Пабло Пикассо были навеяны одноименной картиной Эжена Делакруа, созданной в 1834 году. Длительный период времени это полотно было в коллекции Виктора и Салли Гантц. Они купили его через год после ее написания за 212 тысяч долларов, что на 1956 год было баснословной суммой.
Если внимательно присмотреться к картине, то можно заметить, как умело автор смог передать свои мысли и переживания. Впечатляет превосходная игра цвета. Во время работы над картиной Пикассо не побоялся совместить довольно большое количество цветов. Особенного внимания заслуживают отдельные элементы картины, которые выполнены с особой точностью.
Главным персонажем «Алжирских женщин» являются, как ни странно, женщины восточной наружности. Автор ставил перед собой цель передать весь колорит и внутреннее состояние своих натурщиц. Чувствуется особый подход работы художника. Ему удалось с помощью кисти запечатлеть людей, точно передавая их внутренний мир и состояние.
Картина привлекает внимание своей необычностью и экстравагантнос тью. Сейчас эту картину купили в Нью-Йорке. Ее стоимость оказалась рекордной и составила 179 миллионов долларов. Таким образом, картина Пикассо стала самой дорогой репродукцией, которую продали через аукцион.
Картина создана в 1923 году маслом на холсте.
Пикассо – это гениальный художник, который оставил свое творческое наследие, поражающее свой необычностью. Работы великого художника не встречают аналогов. Понять Пикассо дано далеко не всем. При первом знакомстве с его работами, они шокируют. В мире неоднозначное отношение к его творчеству. Кто-то восхищается и считает Пикассо гением, кто-то не понимает и полностью отрицает его живопись.
Жизнь художника поделена на различные периоды, каждый из которых имеет свое название. Все они влияли на Пикассо и имели отражение в его полотнах.
Картина «Любовники» принадлежит к периоду под названием «классицизм». Он был в жизни художника с 1917 года по 1925 год. Сюжет показывает пару влюбленных. Не известно, возможно, они познакомились и возникла любовь. Возможно, они давно знакомы и у каждого свои семьи. Мужчина с любовью и желанием обнимает девушку. Она скромно опустила взгляд, словно, очень стесняется происходящего.
Примечательный момент в этой картине, то, что пара изображена в привычном для обычных людей образе. Ведь Пикассо написал множество полотен, где люди изменены до неузнаваемости и уродства. Также его не раз обвиняли, в том, что он ненавидит женщин и издевается над ними в своих работах.
Пикассо нарочно искажал лица, фигуры, раз резал тело на геометрические фигуры. Многие исследователи объясняют негативное отношение к женскому полу, тем, что у Пикассо были сложные отношения с его первой женой. Но женщин в его жизни было столько, сколько не было не у кого.
Данная работа показывает нам милые черты лица, как парня, так и его возлюбленной. Пикассо создал картину, когда ему было 41 год. Что повлияло на него в момент создания этого сюжета? Возможно, он снова был влюблен в очередную женщину.
Полотно находится на хранении в Национальной галерее Вашингтона. США.
В 1908 году известный художник Пабло Пикассо создал картину «дружба». В это время формировался такой стиль искусства, как абстрактный кубизм, который часто называют «сезанновским» кубизмом.
Для этого стиля свойственно изображение цельных предметов разложенными на мелкие элементы, что прослеживается в творчестве Пикассо, в частности, при изображении фигур на картине «Дружба». Их художник представил нам немного грубоватыми, простыми, но четко выделяющимися на затемненном фоне.
Знаменитое полотно «Дружба» открывает взору зрителя необычную композицию – две фигуры обнаженных женщин. Тона, которые применил мастер кисти, очень теплые, кажется, будто они сохраняют запах земли. Насыщенность цвета, а также цветовая палитра (оттенки коричневого, темно-зеленого и золотистого) только подчеркивают то, что картину можно отнести к «африканскому периоду».
Фигуры женщин немножко громадны, создается впечатление, что они сложены из деревянных деталей. Они, конечно, угловаты, но все-таки скульптурны. Женские фигуры Пикассо – это искусство многих народов. Они такие же естественные, как вся планета Земля, безо всяких новинок цивилизации.
Все формы женского тела выстроены из геометрических фигур, подчеркнутых тенями, ведь это типично для кубизма. А еще на полотне Пикассо «Дружба» контрастно построена композиция и ощущается ритм форм, цветов и линий.
При рассматривании картины взгляд созерцателя перемещается от верхнего угла, который затемнен, до более светлых оттенков.
Решение этого произведения искусства довольно обобщенное. Черты лица настолько упрощены, что в виде знаков напоминают маски для ритуалов и изображают какую-то отрешенность. Надо сказать, что Пикассо не имитирует внешность скульптур женщин-негритян ок, а делает скачок к «концептуальном у» искусству.
Великолепную габаритную картину «Дриада» или «Обнаженная в лесу», Пабло Пикассо написал маслом на холсте в свой африканский период.
Искусство Африки всегда привлекало художника. Он восхищался выставочными экспонатами в музеях, восторгался необычной притягательной силой магии скульптур, которые часто были грубыми, однако очень притягательными.
Картины была написана в 1908 году. Живописец изобразил на картине не то женщину, не то идола из дерева. Создается впечатление, что он просто вытолкнул из чащи древний лесной дух-божество – дриаду. Мастер кисти считал, что магию матушки-природы можно с легкостью передать магией красок. В раннем кубизме картина «Дриада» выгодно выделяется тем, что она наполнена энергией жизни, ведь деревянный истукан – не застывшая фигура, а жестикулирующая Галатея.
О том, что к написанию «Дриады» Пикассо подошел по-особенному, свидетельствует размер полотна. Тщательно продуманную композицию художник перенес на большой холст. Это говорит о том, что картина довольно значима.
Фон полотна своеобразен. Скульптурная фигура обрамлена двумя стволами мертвенных деревьев, которые образуют нишу. Сама же дриада выдвинута вперед. Цветовое решение тоже специфическое: лицо затемненное, а во всем образе преобладает оттенок желтой охры.
Главное, что впечатляет зрителя при рассматривании «Дриады», – упрощенная манера написания и огрубление при изображении женского тела.
К подобным действиям живописца побуждал эпатаж, ведь Пикассо стремился с помощью самых простых методов передать реальность. Его произведение не свелось к геометризации, оно имеет собственный смысл.
Таинственный мир «Дриады» мрачный, открыт для темных сил, его не озаряет свет солнца. Силуэт женщины, исполненный в коричневых оттенках (от светлого до темного) немного вульгарен, со скрытой энергией. Это свидетельство того, что художник часто размышлял над противоречивост ью человеческой природы.
Полотно создано в 1926 году маслом на холсте.
Пикассо считается одним из великих художников 20 века. Его полотна оцениваются миллионами долларов. Но далеко не все его работы понятны для восприятия обычного человека. Не подготовленных они могут повергнуть в шок. Вся жизнь Пикассо поделена на жизненные периоды, которые влияли на его восприятие окружающего мира и людей.
«Художник и модель» — это одна из картин цикла полотен по данному сюжету. На нем изображен художник, который на холсте рисует обнаженную модель. Пикассо не раз обвиняли в женоненавистнич естве за его искажение фигур и лиц женщин.
Возможно, это связано с его нелегкими отношениями с его первой супругой, с которой он так и не наладил отношений. На своих полотнах он нарочно уродует до неузнаваемости фигуры и лица.
Картина из цикла «Художник и модель» 1926 года не стала исключением из этого правила. Она относится к периоду жизни Пикассо под названием сюрреализм. Это один из самых сложных этапов в жизни для художника. Он часто был склонен к истерии и страхам в своих работах.
Как раз в этот период дополнительное негативное влияние на формирование образов в голове Пикассо оказывали плохие отношения с женой. Свою агрессию он выплеснул на изображения женщин в уродливых формах.
Натурщица изображена с причудливыми толстыми пальцами, на руках и ногах. Они словно распухли от укуса насекомого. Но еще более впечатляет грудь женщины. Она имеет непонятную форму и расположена не в соответствии с человеческой анатомией. Кожа имеет бело-синий цвет, словно девушка не с нашей планеты. Смотря на художника, создается впечатление раздваивания в глазах.
Картина одновременно удивляет и шокирует, впрочем, как и все работы Пикассо. Хотя, все же, есть в этом цикле более адекватные и похожие на нормальные полотна. Понять Пикассо весьма сложно.
Пикассо создал шедевр в 1932 году.
Он изобразил любовницу, с которой познакомился еще в 1927 году. Ее имя – Мария Тереза Вальтер. Она стала его музой. Вальтер изображена очень необычно. Это не обычный портрет. Художник старается рассмотреть девушку в зеркале. Основной мотив этого произведения – точное изображение просто невозможно увидеть в зеркале.
У Пикассо это интерпретирован о иначе. Каждый контур в зеркале обретает особую таинственность. Просто поражает такая интенсивность каждого цвета. Удивителен фон с такими причудливыми узорами. Округлые дуги на переднем плане полностью уравновешены диагональными линиями, которые мы видим на заднем. Ромбы на обоях очень похожи на костюм любимого Пикассо персонажа – Арлекина.
Художник считал себя похожим на него. Этим он специально подчеркнул, что и он присутствует на картине, наблюдая за всем происходящим.
Лицо поделено на совершенно разные половины. Одна напоминает настоящую маску из дерева, а другая – половинку луны (месяц). Нежно-розовый профиль и светлые волосы говорят о молодости героини. Лицо невероятно похоже на привычный нам полумесяц.
Мария Тереза протягивает к зеркалу руки, как будто хочет дотронуться до этого нереального отражения. Оно и манит, и пугает. Вся сущность в зеркале становится иной. Здесь раскрывается то, что таится внутри. Обычному взору это недоступно. Яркие пятна окружают отражение. Тело кажется в зеркале нарочито искаженным.
Противоположные страсти борются, и зритель может это видеть. Мария Тереза смогла увидеть свою сущность. Пятно на лбу героини – это особая сокровищница, в которой и скрыта вся внутренняя жизнь Марии Терезы.
Некоторые исследователи уверены, что Пикассо указывает на двойственность души Вальтер. Но вполне возможно. Что застенчивая девушка видит свои отрицательные черты, которые окружающие предпочитают не замечать.
И как же была недовольна миссис Стайн, когда увидела окончательный вариант своего портрета, который она получила от своего лучшего друга Пикассо. Прежде всего, ей не понравилось лицо. Оно кстати, изображено в манере Пикассо. Хотя в первом варианте, ещё тогда когда она позировала художнику, ей её лицо на холсте нравилось больше.
Как не странно, но Пикассо потратил довольно много времени на то, чтобы изобразить свою подругу и своего мецената.
Американка Стайн у себя на родине была довольно известной писательницей, а потом она стала ещё более знаменитой после того как стала собирать коллекцию полотен великого Пикассо. Но дело не в этом. Всё дело в том, что Пикассо, как правило, никогда подолгу не работал над портретами. Нужно было всего лишь пар сеансов позирования, а остальное он дорисовывал по памяти.
С этим полотном получилось всё иначе: она позировала ему чуть ли не больше трёх месяцев и как итог – он бросил работу, так её и не закончив. А немного позже, находясь в совершенно ином месте, он вдруг вернулся к портрету и довольно быстро нарисовал лицо. Именно лицо и стало камнем преткновения во время сеансов позирования и стало причиной отказа работать дальше. А тут вдруг, по памяти, стремительно и безостановочно Пикассо заканчивает портрет.
Когда Стайн увидела окончательный вариант, она расстроилась. Именно из-за лица. Но Пикассо, уверил её, что если сейчас лицо у неё не такое, то лет так через десять-пятнадца ть оно станет именно таким. Так всё и получилось. Впоследствии, она не раз заявляла, что это лучший её портрет, который она когда-либо видела. Но что же на портрете? Маска.
Маска-лицо, которое показывает властность женщины и решительность в действиях. Собственно она и была такой в жизни. Иначе бы она не смогла протиснуться в литературный мир США. Только толкаясь руками, и вгрызаясь во врагов своих, она сумела достичь популярности.
Картина написана в 1942 году.
Это одна из картин, сюжет которых художник называл серенадами. Картин с таким названием он написал несколько в разные годы.
Пикассо признан самым дорогим гениальным художников. Уникальность его картин поражает и ломает привычное восприятие реальности.
В жизни Пикассо было несколько периодов, под воздействием которых он писал определенные сюжеты. Полотно «Серенада» написано в творческий период под названием «Герника» и пацифизм.
Герника – это город, который был разрушен фашистами во время войны. Он был культурным наследием басков. Под воздействием этого события Пикассо пишет полотно, которое также называется, как разрубленный город басков.
Его охватил ужас всего происходящего, что отражалось в его творчестве. Он превращает картины в разбитые геометрические блоки, которые сложны для восприятия большинства людей. Его полотна – это ребусы, которые мог разгадывать только он сам.
Пикассо считали женоненавистник ом, в силу того, что он искажал женское тело и лицо до неузнаваемости. Возможно, это связано с тем, что он не мог ладить со своей первой женой, русской балериной.
Неполадки в семье и влияние войны на психику художника отразились в его искажение людей, а женщин в особо жестких формах. Его обвиняли в том, что он издевается и ненавидит женщин. И это от части, правда, что можно понять по его полотнам.
На картине «Серенада» мы видим непонятную женскую фигуру, разбитую на геометрические куски, скрученную в непонятной позе. Фигура мужчины не менее загадочная и сложная.
Вокруг художник изобразил все в мрачных и темных тонах, олицетворявших пустоту и войну, которая его ужасно пугала. Его страх и психологическая неуравновешенно сть всплескивалась на картины. Не только полотна, но и скульптуры Пикассо отражали весь трагизм и безысходность того времени.
Пикассо создал свой индивидуальный стиль в живописи, который оказал влияние на не забываемое впечатление на весь мир. Его картины – это культурное достояние.
У многих картины Пабло Пикассо ассоциируются исключительно с абстракцией, однако это не так. Художник умел работать в разных манерах и техниках. Достаточно изучить по картинам тему его взаимоотношений с Ольгой, которой была посвящена далеко не одна работа, и становится ясно, насколько Пикассо был разноплановым мастером.
Этот темпераментный испанец полюбил всем сердцем балерину из труппы Дягилева и был вынужден сделать ей предложение, так как его предупредили об особом менталитете русских девушек, что «на них жениться надобно». Ольга Хохлова приняла его. Две творческих натуры были друг с другом счастливы, и эта гармония нашла своё отражение в картинах великого мастера.
Портрет Ольги Пикассо – это вовсе не абстрактная живопись, но некоторая схематичность в нём, всё же, прослеживается. Нетщательно выписанные волосы и мех на воротнике, неглубокие светотени, хотя они, конечно, присутствуют и создают настроение, расплывчатые очертания браслета на руке Ольги – всё это уводит зрителя от деталей, подводя его к главному – общему настрою полотна. Его идея – это задумчивость.
Прекрасная Ольга о чём-то грезит или пытается поймать мысль. Вот-вот она вспыхнет искоркой в сознании молодой женщины, и та покинет своё кресло, вспорхнув с него, как синий мотылёк. Видно, какие у неё точёные руки, и сейчас она застыла, словно великолепная античная статуя из мрамора.
Упрощённость изображения – всё же не помеха тому, чтобы образ казался необычайно живым. Момент задумчивости, взор, направленный в никуда так присущи человеку искусства, а Ольга была таковой. Лёгкий наклон головы, но удивительно ровная спина, положение рук – всё это выдаёт в супруге художника балерину. Есть в образе и кротость, свойственная русской женщине тех лет. Искусство, поистине, не имеет границ.
И даже не пытайтесь что-нибудь понять в этой работе великого мастера. Хотя нет… пытайтесь понять, что именно он хотел сказать нам, простым смертным. Наверно он пытался нам передать всю гамму звуков, которые издают эти музыкальные инструменты. Правда, сразу и не поймёшь о каких инструментах идёт речь. Тут есть гриф гитары, контуры скрипки и контрабаса, есть место и роялю. Есть и нотные полоски… Всё остальное многогранье, многоголосье, полная фантазия Пабло Пикассо.
Ценителю и поклоннику творчества этого художника сразу всё станет ясно. А вот тем кто впервые сталкивается с его работами и тем более с этим полотном придётся постараться понять, что именно имел в виду великий мастер.
Скорее всего, он действительно хотел изобразить звук, а точнее звуки многоголосого оркестра. То есть то, что мы слышим во время классического концерта со сцены или во время оперного и балетного спектакля из оркестровой ямы. Он попытался раскрыть невообразимую суету звука, который приходит к нам в уже несколько искажённом варианте. Вот это всё и есть на полотне. Правда, эти звуки именно такие которые представляет себе сам автор, не более…
В нашем сознании возможно они иные и более красивы и благозвучны, но автор и не претендует на исключительност ь в изображении звуков. Скорее он просто даёт нам понять, что и звуки можно изобразить на холсте. Так же как и время изобразил Дали.
Между прочим, в этом можно заметить некоторое соперничество между двумя авторами.
А ведь и правда: если Дали изобразил время, то Пикассо попытался изобразить звук, да так чтобы само полотно тоже издавало звук. Иногда, кажется, что действительно из этого полотна льётся тоненькая музыка. И надо отметить, что обоим авторам их новаторство удалось – мы видим время, мы чувствуем музыку.
Картина написано Пабло Пикассо в 1909 году. Картина написана в африканский период, когда живописец находил вдохновение в архаическом африканском искусстве, его примитивных формах.
Художник старался найти те средства выразительности , которые бы могли выразить то уникальное, что было открыто внутреннему зрению живописца.
Пикассо посетил в 1907 году выставку африканской скульптуры, которая проходила недалеко от Парижа, во дворце Трокадеро.
Художник понял, что ему удалось наконец-то те уникальные средства, которые бы позволили с максимальной силой выразить дух современности. Натура у Пикассо нарочито деформируется. С помощью особых мазков мастери создает необычные, словно вырубленные очертания каждого предмета.
Художник не просто видел декоративность деревянных скульптур. Он понял, что в них воплощались все мысли и идеи. Живописец отражает в своих произведениях особую напряженность и их наполненность драматизмом. Мы ощущаем всю внутреннюю сложность каждого образа.
Пикассо творил лишь подобно самой натуре. Каждое его творения представляло собой систему знаков, которые наполнялись невероятным внутренним смыслом. Пикассо говорил о том, что знаки необходимы именно для этого. Африканская скульптура помогла сформироваться этому особому отношению художника к собственному творчеству.
На полотне детали становятся настоящими пластическими знаками. Мы видим даму, сидящую в кресле. В одной руке она держит веер, а в другой – изящный зонт. Необычные грани насыщают все пространство этого творения. Каждый предмет изображается под особым углом, который позволяет ощутить особый ритм всей поверхности в целом. Лицо дамы напоминает характерную ритуальную маску. Оно взаимодействует с вазой. Особое освещение и особый тон каждой детали усиливают максимальную напряженность игры. Взгляд модели – особый. Он усиливает особое поистине зловещее впечатление.
Весь колорит полотна, который представляет особое сочетание серого и зеленого с пятнами рыжего оттенка способствует тому же самому. Каждый предмет словно выдолблен из дерева.
Живописец, словно скульптор. Он вводит в пространство живописи еще одно измерение. Пикассо говорил о том, что из разрезанных и вновь собранных картин можно создать скульптуры.
После самоубийства из-за несчастной любви одного из своих самых лучших друзей – Карлоса Касагемаса, Пикассо впал в депрессию. Этот период стал «голубым» в творчестве художника, он пишет ряд меланхоличных картин. Шедевром этого периода по праву считается полотно «Жизнь» (1903 год).
Когда Пикассо писал эту картину, ему было 22 года, он жил в нищете и постоянных лишениях, что не могло не сказаться на творчестве художника. Полотно было создано в короткий срок, но Пикассо изначально невзлюбил его и закинул в самый дальний угол мастерской.
На первоначальных подготовительны х рисунках, человек слева был автопортретом самого художника, но позже он заменил его облик на своего умершего друга Карлоса Касагемаса. Печальная молодая женщина, которая пытается спрятаться за мужчиной – Жермен Гаргалло, возлюбленная покойного друга. Справа изображена другая женская фигура полная скорби – немолодая мать, держащая на руках младенца. Это прообраз матери Пикассо.
Картина повествует о материнской любви, которая сталкивается с чувственной любовью между мужчиной и женщиной. Эмоции на лицах молодой пары рассказывают нам о своем страхе перед жизнью, напоминание о неизбежных страданиях, болезнях и старости в жизни каждого человека. Женщина, находящаяся на заднем плане, обнимается все с тем же мужчиной – он ее будущее или прошлое. На торце раскинулась сгорбленная фигура, образ которой выражает страдания.
Все герои картины находятся в узком, зажатом пространстве, голубые тона оставляют у зрителя впечатление безнадеги и тоски. Полотно пропитано любовью и одиночеством.
На картине изображены жизнь и смерть, быстропроходяща я молодость и болезненная старость. Пикассо пытался в своей картине отразить всю драму жизни, истину о трагической человеческой судьбе, сложность отношений между людьми.
Такую картину вряд ли зрители будут воспринимать однозначно. Абстракция – она для того и придумана, чтобы просто вызывать у человека определённое впечатление. Кто-то на этом полотне и вовсе не увидит женщину, только набор геометрических фигур, ну и листья – в лучшем случае.
Но ведь есть, есть на ней, пусть и очень схематичные, но всё же черты лица. Оно сурово и сердито, а потому должно контрастировать с цветком. Для чего женщинам дарят цветы? Чтобы ещё раз подчеркнут природную красоту тех и других. Цветы должны располагать человека к положительным эмоциям, а здесь налицо – диссонанс, конфликт. Да и сам цветок больше похож на крупную гальку или на воздушный шарик, нежели на растение.
В картине есть движение – это фиолетовые руки и трёхцветная накидка его создают. Но что именно хотел сказать этим полотном Пабло Пикассо, не совсем понятно.
Скорее всего, показать какую-то увиденную им женскую эмоцию. И вполне возможно, что рассерженную чем-то женщину, которая посчитала подаренный ей при этом цветок чем-то кощунственным. Оттуда, вероятно, и эта похожесть на булыжник самого цветка, оттуда и возмущённая гримаса.
Пабло Пикассо мы знаем разноплановым художником. Есть у него и вполне реалистичные картины, например, портреты его жены, его музы и вдохновительниц ы Ольги, которая была знаменитой балетной дивой. Но есть и чисто абстрактные картины, с которыми почему-то больше привыкли ассоциировать имя художника.
Вполне возможно, что появились они в результате веяния времени, что писались им на заказ. И если сейчас об этой картине вспоминают, это значит, что её ценят, что искусствоведы находят в ней какую-то гармонию. Мы же, простые зрители, можем увидеть в ней только эмоцию. И поскольку форма здесь фактически разрушена, она заменена чем-то другим, то это просто картина-ощущени е.
Пабло Пикассо творческая натура, он особенно любил рисовать женщин. В его жизни было несколько важных особ, которые сыграли роль муз. Они остались в истории, и их красоту запомнили множественные холсты. Портрет «Голова женщины» присутствует в каждом творческом периоде художника. Вот эта голова принадлежит Фернанде Оливье.
Она ворвалась в жизнь творца в очень тяжёлый период.
В 1904 году Пабло переживает смерть близкого друга. Чтобы избавиться от точки и мучительного одиночества он отправляется в Париж. Там художник и встречает смуглую служанку, которая вдохновляет, и становиться его возлюбленной.
Фернарда позирует и дарит свою неповторимую красоту без остатка. Этот портрет выполнен в технике кубизм. Конечно, не каждый сможет в этих острых гранях разглядеть тонкие женственные линии. Но Пикассо мог мыслить очень абстрактно. Ему недостаточно было стандартных форм и привычных плавных линий. Натура это просто муза – автор берет кисть и принимается импровизировать.
В начале их романа женщина рисовалась симпатичной и женственной. Но Фернарда настаивала на более серьезных отношениях, она хотела семьи. Тогда и родился этот странный некрасивый портрет. Он желал показать, что девушка раздражает ее.
В лице художник видел только некрасивые линии, и умело переложил ее недостатки на холст. Кубизм привлекает автора своими нестандартными формами, он находится в замешательстве. Явно необходимо что-то менять, его душа угловата и требует смены обстановки. Портрет явно передает нелюбовь к этой особе.
Женщина некрасива, среди углов и теней сложно увидеть настоящий облик натурщицы. Несомненно, этого и добивался художник, он рисовал чувства и переживания. Геометрические фигуры составлены хаотично, но, тем не менее, мы видим глаза и узкие губы.
Одной из известных работ периода сюрреализма Пабло Пикассо, является портрет «Спящая девушка» 1935 года. На картине изображена Мария Тереза Вальтер – натурщица, муза и любовница знаменитого испанского художника.
Пикассо встретил Марию, когда ей была 17 лет, в то время уже состоял в браке с русской балериной Ольгой Хохловой, а их сыну было 5 лет. Брак художника, а также несовершеннолет ие Марии, были основными причинами, из-за которых художник долгое время скрывал свой роман. Но скрывать свой роман в своем творчестве Пикассо не удалось, ведь то, с какой нежностью и любовью изображалась на картинах Мария, не могло остаться незамеченным. Эта женщина серьезно повлияла на творчество испанского гения.
«Спящая девушка» — это картина, что относится к целому циклу работ с изображением юной любовницы художника, глядя на данную работу художника, чувствуется теплота и нежность женского сна или полудрема. Данные эмоции на столько четко переданы, что иногда зрители в страхе разбудить прекрасную Марию, даже говорят шепотом. Идея сонной, мечтательно и любящей женщины, еще много раз повторяется в работах Пикассо.
Мария также часто позировала обнаженной и судя по данным картинам, она скорее была объектом вожделения, страсти художника, но никак не равноправной любви.
После рождения у Марии дочери Майи, жене художника стало известно об его изменах и она сразу забрала сына и уехала. Позже у Пикассо появилась еще одна любовница Дора Маар, однажды, любовницы столкнулись в его мастерской, и между ними даже возникла драка, этот момент он назвал одним из самых ярких воспоминаний в своей жизни. Мария Тереза Вальтер до последних дней Пикассо поддерживала с ним отношения и мечтала выйти за него замуж, но этого так и не случилось. Через 4 года после смерти художника, она повесилась в своем гараже.
В 2011 картина «Спящая девушка» ушла с молотка аукциона Кристис за космические 21.9 млн. долларов, покупатель мирового шедевра пожелал остаться неизвестным.
Великий художник с множеством стилей письма не пытался в своих произведениях писать в установленных рамках стандарта, раскладывая все детали по полочкам.
На каждом творческом этапе художника, в период его становления как сюрреалиста, присутствовала Муза, которая вдохновляла на создание новых интересных шедевров.
Будучи в браке с балериной Ольгой Хохловой, которая жаждала присутствовать на всех его полотнах, он обратился к неоклассицизму. А обращение в сюрреализм случился чуть позже, когда в его жизнь вошла молодая блондинка Мария Тереза Вальтер. Благодаря отношениям с ней, основная доля картин Пабло составила наследие сюрреализма, а также отобразилось в географических циклах. Здесь происходит сочетание классики и античных мотивов.
В своих полотнах художник производит образное вскрытие женского тела, и он пытается соорудить монстров из его составных частей. Одной из подобных работ является картина «Девушка, бросающая камень», написанная в 1931 году.
Он как ребёнок, разбирая на части новую игрушку с целью посмотреть «что же там внутри», проводит исследования над новой моделью на полотне. Фрагменты тела складываются, перекручиваются , и разбираются на части. Он играет с ним как с конструктором, и пытается определить – что же будет, если сложить детали по-другому. И результат показывает, что вне зависимости от смены перемены деталей чувственность сохраняется без присутствия агрессии. Глядя на картину, создаётся впечатление, будто девушка вылеплена из пластилина, настолько мягкие и обтекаемые формы.
Сам человека и его части тела становятся сгустками дикого, природного начала и естественных желаний. Художник задаётся вопросом «Что за существо – человек?», что будет происходить, если убрать все ненужные элементы? Останется всего лишь воплощение сущности человека в натуральных желаниях и стихиях организма.
Картину «Завтрак слепого» Пабло Пикассо написал в 1903 году, когда ему было всего 22 года. Данная картина создана в ранний период творчества испанского художника. Период с 1901 по 1905 год творчества испанского гения критики назвали «голубым», так как в это время в работах Пикассо преобладал синий цвет, который он называл «цветом всех цветов».
В творениях «голубого периода» чаще всего изображены бедняки, нищие, одинокие и обездоленные люди. Данная тематика была очень популярна среди художников проживающих и творящих в Испании. Картина «Завтрак слепого», является характерной работой для раннего Пикассо, где в центре всегда стоит человек в окружении разных предметов и внутренних переживаний. С помощью тонких деталей, художник пытается передать зрителю меланхоличные, а местами и трагичные эмоции.
Главное внимание в работе «Завтрак слепого», сосредоточено на слепом человеке изображенного синими красками, который пытается правой рукой нащупать ярко коричневый кувшин с вином, символизирующий христианство. В левой руке у него маленький кусок хлеба, а на столе стоит пустая миска.
Худощавое вытянутое тело, длинные чувствительные пальцы, бедный стол в полной мере передают беспомощность, обреченность и страдание.
Усугубляет трагизм картины, глаза человека вместо которых, изображены две серых впадины. Картина заставляет зрителя почувствовать ту беспомощность и обреченность слепого человека, который живет в бедноте и полном одиночестве.
На написание такой печальной картины, художника безусловно подвигла, его бедная жизнь в Барселоне, так что в этом унылом образе слепого и бедного человека художник видел себя и пытался передать собственные эмоции и переживания, подчеркивает столь глубокие переживания синий холодный цвет.
Картина «Три женщины» принадлежит к африканскому периоду Пабло Пикассо. В то время вдохновением для Пикассо служил некоторый примитивизм африканского искусства в сочетании с огромной магической составляющей. Африканские художники не старались передать достоверность или красоту. Им было важно заговорить природные силы, противостоящие человечеству в течение всей его истории.
В картине можно увидеть необычное сочетание африканских мотивов и новейших идей кубизма. Три женщины на картине Пикассо больше похожи на скалы – та же угловатость, резкие черты, даже цветом они неотличимы от скалы рядом.
Пикассо разрушает привычные формы предметов. Предметы и люди на картине статичны, застыв в определенных позах. Их фигуры состоят из множества плоскостей, выгнутых и вогнутых. Картина появилась в период, когда самого термина «кубизм» еще не существовало, он появился через несколько месяцев, не без влияния самого художника. Пикассо выступает одновременно консерватором (африканский сюжет) и новатором.
Это одна из первых кубических стилизаций, где Пикассо работает не с неживыми предметами, а с людьми. В своих натюрмортах того времени он вовсю использует сферы, конусы, цилиндры и иные геометрические формы. В отличие от картин, появившихся через несколько лет, в «Трех женщинах» еще нет полного отказа от формы, можно различить тела, лица, позы. Фигуры словно созданы грубоватым скульптором или плотником, вырубившим их при помощи примитивного топора. «Срезы» скульптуры закрашивались в различные оттенки красного цвета.
Несмотря на то, что не все оценили новое направление в живописи, для Пикассо картина стала поворотным моментом. Художник стал пользоваться уважением многочисленных коллекционеров (в частности, «Трех женщин» приобрели супруги Стайн) и окончательно перестал испытывать какие-либо материальные трудности.
Картина была написана Пикассо в послевоенный период.
Средиземноморск ий пейзаж на морском берегу нельзя назвать безмятежной идиллией. Исследователи его биографии и творчества считают, что ломаные формы на картине показывают напряжение и тревогу.
Связано это с тем, в этот период жизни художник глубоко переживал по поводу разрыва отношений со одной из своих возлюбленных, Франсуазой Жило.
У них на тот момент было двое детей, но через год влюбленная пара разошлась. Возлюбленная показала себя как довольно сильная женщина, и сама бросила Пикассо. Он тяжко переживал по этому поводу, расставание его глубоко затронуло.
Хотя Пикассо сам нередко ходил на сторону, Франсуаза нравилось ему и он не хотел рвать с ней отношения, поэтому ее уход глубоко ошеломил его
Вилла на средиземном побережье предстает нам на плоскости будто бы в развернутом виде, в разрезе – внутренние дворики, лестницы, сады и цветочные клумбы кажутся нагроможденными друг на друга, перспектива нарушена.
Но полутени, твердые, ломаные черные линии – показаны довольно четко, цвета яркие и насыщенные, но все окаймлено черным грубым контуром. Узнаваемый стиль Пикассо, яркая манера абстрактного кубизма, геометрического изображения.
Жаклин Рок– одна из возлюбленных известного испанского мастера, его последняя муза, была самой преданной поклонницей его таланта. Она была моделью и женой Пикассо, с которой он прожил последние 20 лет своей жизни и именно этой женщине посвящено большинство из его полотен.
На многочисленных портретах, выполненных в самых различных техниках, она предстает с неизменным задумчивым взглядом больших темных глаз, редкой миндальной формы.
Этот портрет, написанный в самом начале знакомства Пикассо с Жаклин – в 1954 году – один из наиболее реалистичных её портретов, стиль которого слишком далек от привычного нам «кубизма» Пикассо. Он написан с особой нежностью и любовью. Она предстает не странной кубо-футурическ ой композицией, а вполне реальной, живой женщиной. Жаклин изображена в пояс, ее вытянутое бледное лицо ее смотрит прямо долгим, мечтательным и нежным взглядом, наполненным мыслью и чувствами.
Вся картина выполнена в холодных, темных, спокойных тонах – серо-черный фон, женщина в темных одеждах и черном платке, подчеркивающих белизну ее кожи. Картина не кажется мрачной, наоборот – холодные тона дают ей особое очарование, будто написана она ночью при лунном свете, или в сумерках.
Эта женщина не была только музой художника. Она самозабвенно любила великого мастера и ухаживала за ним в годы его старости, когда он почти ослеп. После его кончины она настолько была убита горем, что окружающие всерьез опасались за ее состояние… Ей удалось, однако, оправиться, она стала хранителем и распорядителем масштабного творческого наследия Пикассо. Но, несмотря на это, накануне одной из грандиозных выставок Пикассо в испанской столице, она застрелилась, таким образом, пережив его только на 13 лет…
Уже с маленького возраста маленький мальчик Пабло начал рисовать некоторые детали на картинах отца, а через год была им написана более взрослая работа с названием «Пикадор».
Далее, становление Пикассо, как художника, было стремительным. Окончив блестяще Королевскую Академию изящных искусств в Мадриде, он приезжает в Париж и почти ежедневно посещает там различные выставки и музеи, изучая полотна великих Веласкеса, Эль Греко и Гойя. Немаловажную роль на его творчестве сыграл большой интерес к работам Делакруа, Ван Гога и Гогена. Испытав на себе влияние импрессионизма, он уже к 20 годам приобретает индивидуальный стиль письма, а Париж настолько его впечатляет, что в 1904 году он навсегда переезжает сюда.
В конце 1901 года у Пабло происходит поворот в новую гамму живописи – голубой и холодный синий тонам. По возвращению в Барселону, начинается голубой период художника, и он пишет главные свои шедевры.
В картинах «голубого» периода преобладают акценты синего цвета и его оттенков. Однако, это не единственная особенность его работ. В это время наиболее ярко выражается индивидуальност ь художника. Если в первых полотнах прослеживался след постимпрессиони зма и импрессионизма, а также академизма, то в последующие работы принципиально новые по жанру. Уже более чётко выражен образ, всё лишнее из композиции убрано, и остаётся только главное, что раскрывает авторский замысел, передавая его эмоциональное состояние.
На картине «Гурман» изображён грустный ребёнок, возможно, из нищей семьи, который доедает последний капли похлёбки и маленького куска хлеба. Кроме этих яств, видимо, ему более нечем питаться.
В картинах «голубого периода» художник достаточно ярко выражает темы старости, смерти, нищеты и меланхолии. Печаль – вещее звено этого периода. Он изображает опечаленных и страдающих людей.
1948 г.
Как и большинство картин знаменитого испанского художника, эта написана в стиле кубизма. Однако, стоит заметить, что дробление на геометрические фигуры прослеживается не столь сильно, как в других работах. Безусловно, четким и структурным, изображающим женственную и красивую фигуру этот портрет назвать нельзя. Но все же некоторые детали автор выносит на первый план и прорисовывает их более тщательно и естественно, чем другие.
Так, например, на первом плане можно видеть кисть руки женщины с длинными тонкими и красивыми пальцами. Акцент на аристократичнос ти и красоте изображенного персонажа. Еще один немаловажный акцент поставлен на лице женщины. Красивое, одухотворенное лицо с совершенно правильными, ровными и строгими чертами. Художник с геометрическим подходом в основе подошел к написанию этого лица.
Прямой нос будто разделен вдоль невидимой чертой, относительно которой две половины идеально похожи. Тоже самое видно и в глазах, губах женщины. Красиво изогнутые и четко очерченные брови, контуры губ, веки и подбородок – все эти черты настолько гармонично собраны вместе, сочетаемы и правильны по форме, что остается только удивляться мастерству художника.
Волосы женщины показаны не локонами, а будто нитями, сплетенными в общий причудливый геометрический узор. И этот узор перекликается с фигурами на платье персонажа, которые также в причудливых изгибах показаны художником. Фон позади женской фигуры в кресле напоминает шахматную доску, так как представлен большими черно-белыми квадратами.
Картина выполнена техникой литографии, поэтому судить о яркости красок не приходится. Однако сочетание черного, белого, серого и бледно фиолетового цвета все равно не делают ее тягостной и мрачной. Даже, несмотря на такую гамму, она оставляет впечатление законченности, цельности и полноты сюжета.
Испанский художник и декоратор Пабло Пикассо был основоположнико м кубизма в жанре живописи. Его работы были пронизаны эпохой классицизма. Эта направленность сопровождалась строгими канонами, которые придавали изображениям формы, соответствующие мирозданию. Художник любил кубический стиль, так как картины отличались своей тонкостью передачи чувств.
Работа «Пьеро» была создана в период классического начала ровных форм. Актёрская игра для Пикассо стала значимой стороной в изображении кубических образов. Грустный кукольный герой изображён на стуле, с опущенной головой. Его задумчивый взгляд напоминает чувства, когда нужно выходить на сцену, а ты боишься и теряешься. Пьеро, по сути, всегда выступает печальным и трагическим героем театральной игры.
При написании картины художник отчётливо выражает белый костюм актёра, с некоторыми разноцветными линиями. Непосредственно сть и угрюмость актёра, заставляет наблюдателей замирать. Пьеро не смог использовать время для счастливой жизни. Его удел играть на сцене, и развлекать зрителей. Поток красок театральной комнаты, больше напоминает кабинет мыслителя, об этом свидетельствует книга на столе. В целом картина составлена композиционно и правильно, что подчёркивает профессионализм художника.
Гигантская сила труда показывает не только восприимчивость живописца к творческой проблематике, но и говорит о его личности. Полное перечисление циклов жизни художника встречается в каждой его работе. Воплощение многих парадоксов увлекает зрителя, и втягивает в мир вдохновений.
Традиционный стиль живописи присутствовал в шедеврах Пикассо всегда, он умело воссоздавал изображения, как вызов прошлому, так и реальности. Пабло Пикассо – успешный деятель, творчество, которого практически никогда не поддавалось критике.
Пикассо пишет картину «Нищий старик с мальчиком» в 1903 году, этот период его творчества принято называть «голубым». Картины мастера этих лет привлекают внимание голубыми и насыщенно-синим и красками. Для Пикассо это цвета печали и грусти, душевной меланхолии и тоски.
Художник взволнован проблемами одиночества, физических увечий и бедности, передавая волнение и зрителям картин. Частые персонажи полотен «голубого» периода – нищие, убогие, бродяги, проститутки и алкоголики. Люди на картинах имеют отрешенный вид, они потеряли счет времени и гармонию, как с окружающими, так и с собой. Погружение в голубой цвет Пикассо было вызвано самоубийством его близкого друга.
«Нищий старик с мальчиком» — ранняя картина мастера, на которой видно, что до коронного кубизма тот еще не дошел. Главное изобразительное средство здесь – линия и монохромность. Старик и мальчик написаны четко, правдиво, без прикрас. Картина полна поэзии, лирики и гармонии.
Прототипов персонажей, изображенных на полотне, Пикассо мог без проблем наблюдать в Барселоне, где проживал на тот момент. Именно поэтому старик и мальчик так правдивы. Четкими линиями мастер прорисовывает и показывает зрителю изнеможённость людей, предел их сил, они голодны, тощи и почти бесплотны. Это и делает персонажей Пикассо одухотворенными . Фигуры статичны, но линиями художник показывает их беспокойство, внутреннюю работу мысли. Мальчик грустен и думает о чем-то своем, доедая последнюю пищу. Старик смотрит грустным взглядом вперед, он загадочен и кажется величественным подобно статуе.
Картина «Нищий старик с мальчиком» по цветовому спектру признана самой «голубой» в этом периоде. Фигуры людей и задний фон прописаны глубоким синим цветом. На синей стене фона четко выделяются фигуры нищих благодаря темным линиям.
Пабло Пикассо никогда не считался набожным человеком или принимал излишне религиозную позицию, но несмотря на это, после поступления заказа на написание нескольких картин для женского монастыря, он выполнил их так, будто всю жизнь жил в монастыре, передавая всю энергетику на полотно. Для того чтобы написать картину «Первое причастие», мастеру понадобилось собрать у себя в мастерской большое количество церковных предметов интерьера, одежды и прочего инвентаря.
В итоге получилась картина, по своей сути, обладающей невероятной техникой и удивительно реалистичными красками. Причем стоит отметить, что именно с этой картины, мастер продолжил большую серию картин, на которую было потрачено большое количество лет из его жизни. Полотно очень одухотворено, а молодая девушка в белом кажется единственным чистым существом на картине.
Благодаря использованию теплых красок, картина кажется очень чистой и приятной. Картина потрясает своим качеством исполнения, белое одеяние девушки, кажется невесомым, оно полупрозрачно, что свидетельствует о легкости этой ткани, удивительно, как мастер сумел передать это. Все мельчайшие нюансы и подробности переданы идеально точно и четко, а ведь художнику на момент написания картины было всего лишь 15 лет.
Девушка, стоя на коленях, на стуле, читает молитву, позади нее можно наблюдать образы еще двух людей, по всей видимости, тот, что стоит ближе, ее родственник, скорее всего отец. Его взгляд сосредоточен и очень серьезен, поэтому можно судить, насколько для него сие действие является важным, даже в какой-то мере важнее, чем девушке. На картине виден и священник, судя по его возрасту, это скорей всего младший помощник, который расставляет свежие цветы, подсвечники, зажигает свечи.
Свое творение «Сидящая женщина» Пабло Пикассо пишет в 1908 году. Знаменитый живописец к этому времени уже переживает «голубой» и «розовый» периоды творчества и вступает в новый этап жизни, переходя к кубическому стилю.
В центре необычной картины находится образ женщины. Она занимает собой практически все пространство полотна. Женщина эта не хрупка и тонка, как обычно изображают ее живописцы. Сидящая женщина Пикассо предстает грубой и полноватой. Она сидит, задумавшись, сложив руки, и, оперевшись на них головой. Ее лицо выражает глубокую работу мысли, глаза прикрыты.
Желая показать свою сидящую женщину зрителю такой, какой видит ее сам, Пикассо делает ее угловатой, это первые попытки показать один образ с разных сторон и точек зрения. Пикассо с помощью кубизма желает показать многогранность женского образа.
Женщина изображена не с помощью присущих ей плавных и тонких линий, а, наоборот, при помощи грубых, толстых, угловатых линий. Пикассо нарочно нарушает законы анатомии на полотне, делая ступни женщины непохожими на ступни нормальной дамы. Колени ее также изображены нереалистично.
На картине «Сидящая женщина» отсутствует перспектива. Задним фоном является простая гладкая стена, она однотонна. Вся палитра полотна монохромна, как впрочем, и многие другие творения мастера.
В этом творении Пикассо пользуется в основном гаммой оттенков коричневого цвета. Более темным он делает фон полотна, на котором одной темной четкой линией делит пространство комнаты на пол и потолок. Верхняя часть женского тела имеет такой же оттенок, что и стена. Для остального тела художник использует более светлый оттенок, близкий к телесному, чередуя его с размытым черным.
Хранится картина «Сидящая женщина» в России, в Санкт-Петербург ском Эрмитаже.
Стоит сразу сказать, что картина Пабло Пикассо, — «Женщина со скрещенными руками» является одним из самых дорогих полотен в мире. Теперь непосредственно о полотне, которое по всему его виду можно отнести к «голубому периоду» мастера, и, естественно, входит в тот список картин, которые оставляют после себя большое количество разных вопросов и загадок. Полотно было написано в тот период жизни, когда Пикассо метался между Испанией и Францией.
Если верить одной из теорий, то «Женщина со скрещенными руками» имеет такое холодное название и свое воплощение, в основном из-за того, что Пикассо выполнял свои работы в основном в ночное время суток, а именно после захода солнца и до того момента, когда она взойдет.
Такой оттенок картины обусловлен тем, что при искусственном освещении они приобретают более голубоватый оттенок, при этом сам художник еще более усиливал этот эффект добавляя более насыщенного и глубокого голубого оттенка.
На полотне в профиль изображена женщина, лицо которой достаточно сложно полностью разглядеть, но понятно в ее образе только то, что ее одолевает какая-то проблема, боль или горе. Из-за большой серьезности происходящего, вполне ясно создается впечатление о том, что женщина имеет большой жизненный опыт, но ее жизнь омрачилась глубокой трагедией.
Особенное внимание акцентировано именно на позу этой дамы, которая скрестила свои руки. Вся эта поза говорит о том, что женщина смирилась со своей жизнью, по всей видимости довольно горестной и она смиренно несет свой крест.
При первом просмотре картины, может показаться, что она достаточно проста, но она поражает своим глубоким смыслом. Картина признана настоящим шедевром «голубого периода» художника, ей продолжают восхищаться все зрители, которым посчастливилось увидеть ее в оригинале или хотя бы репродукцию.
Полотно, которое на первый взгляд слегка удивляет и берёт оторопь от того, что не знаешь о чём именно тут можно или нужно говорить. Странная и неестественная фигура акробата вызывает недоумение и неприятие. Но потом, когда первые негативные эмоции начинают рассеиваться, то начинаешь понимать, о чём же это полотно.
Фигура действительно странная и явно схвачена во время самой работы акробата: или кувырок, или какое-нибудь сальто…
Непонятно только что именно хотел нам сказать этим, можно сказать, портретом, Пикассо. И если не получается его понять, то надо снова включать воображение или фантазию, или и то и другое сразу…
Но если представить что это не акробат, а простой человек, которого сломила судьба. От всех невзгод, проблем и неприятностей он сломился и превратился в ничто или в нечто не понятное. И в результате перед нами трагедия человека. И учитывая, что написана она была 1930 году, то можно представить, что именно хотел сказать этим полотном художник.
В Европе шёл надлом наций, в воздухе чувствовалось что-то явно опасное и неприятное. Потихоньку назревало что-то негативное, а Пикассо, между прочим, очень лояльно относился к Советской России. Он какое-то время был уверен, что такое же может наступить и в Европе, но позже он поймет, как же он был прав, изображая акробата в этой нелепой позе. Позже в 1939 году начнётся Вторая Мировая война. А это ломка, ломка целых наций, это новый поворот истории, который ничего хорошего не сулил. Годы спустя Пикассо именно поэтому и заговорит о картине, как о полотне с печальным началом.
Но фантазия может привести и к другому решению: он просто хотел изобразить каково это быть акробатом в цирке и как должно быть сложно им быть. И это кстати, тоже будет верно, так как европейцы держатся именно этой версии при пересказе полотна.
Когда простой обыватель смотрит на это самое полотно, то он долгое время не может понять, где здесь скрипка, а где гитара. И долго рассматривая его, обыватель всё же отойдёт от полотна, так ничего и, не поняв. Хотя на самом деле Пикассо изобразил здесь не сколько эти два инструмента, сколько их музыку, их душу. И как видно души у них одинаковы, просто подача разная. Но всё же если совсем уж формально приглядеться к полотну, то можно заметить и гитару и скрипку.
В принципе в манере своей живописи Пикассо не ушёл далеко от своего друга Дали. Но только если у последнего можно ещё как-то расшифровать его полотна, то у Пикассо это сделать несколько сложнее. Чувствуешь интуитивно, что это про музыку, но саму музыку передать невозможно, а вот художник доказал что это вполне реально. И ведь передал же, но иным путем – света и узора, неразберихи и гармонии. Всё как-то вместе и никак не врозь! Но ведь получилось нечто гармоничное и музыкальное и страстное, не смотря на спокойные цвета.
Пикассо верен себе, от него никогда не дождёшься нормального портрета или рисунка, или пейзажа или натюрморта. Это всегда будет абстрактно, это всегда будет визуально вызывающе, смело и никогда сразу не отвечающее на твои вопросы. Просто надо встать напротив полотна и призадуматься: «О чём ты, великое создание?» и если фантазия плюс ваша образованность дала вам правильный ответ, то значит, вы поняли мысль Пикассо. А понять его мысли – это постичь то, что неведомо многим и если такое случится, то можете смело зачислять себя в философы.
Просто не каждому даётся гений Пикассо, не всякий может услышать его музыку, его мысль, понять его фантазию и потому долгие годы его считали мягко сказать странным. И хорошо, что успели ещё при жизни признать великим мастером. Он хотя бы осознал, что его начали понимать.
Из картин Пикассо можно судить, что у него нет какого-то собственного стиля, но тем не менее его картины практически сразу узнаются и выделяются среди остальных. Что касается картин, выполненных мастером уже на последнем периоде, то можно заметить, что он возвращается к одним и тем же темам.
Полотно «Поцелуй» насыщенна многогранностью техники. Над этой картиной художник работал неоднородно, иногда виднеются старательные мазки, казалось просчитанные до миллиметра, порой видны поспешные штрихи. А из-за того, что зрение Пикассо уже заметно ухудшилось, ему приходилось то и дело вносить какие-то коррективы.
Картина выполнена, как ода всепобеждающему поцелую и настоящим всплеском чувств, для усиления эмоционального фона, мастер выполнил его в некой мере равнодушным. Это видно по мимике и эмоциям мужчины. Во-первых, на полотне отчетливо видно, что мужчина уже не сливается в страстном порыве с женщиной, его глаза больше не смотрят в ее, а куда-то в другую сторону. Таким образом, между ними возникает некая дистанция, как в физическом, так и в эмоциональном плане, именно на этой тонкой грани понимания и сделан основной акцент.
Это полотно, одно из двухсот полотен мастера, где он старается раскрыть тему эмоций в современном мире. Как мы видим, продолжается разделение фигур и даже их деформация, но тем не менее, работа не имеет настолько агрессивной окраски, какую можно встретить в более ранних работах.
Несмотря на это, от картины прямо веет революционность ю, и во многом именно такой ряд картин смогли изменить отношение всего человечества не только к формам и фигурам, но и к самому пространству в целом. Это, безусловно, одна из заслуг великого художника, который смог своим творчеством изменить несколько поколений будущих художников.
Пикассо создает эту картину в 1910 году.
Это творение написано им в стиле кубизма (аналитический его тип). Такой кубизм еще носит характерное название объемного. Все изображение состоит из отдельных частей. Каждый фрагмент отделен друг от друга и причудливо рассредоточен по пространству всего полотна. Создается впечатление, что это разбитое зеркало, составленное из осколков разного размера. Но в этом недавно сломанном зеркале еще можно угадать очертания того человека, который смотрелся в него не столь давно.
Художник изображает очень известного в Париже человека. Он торговал всевозможными произведениями искусства. В этом портрете можно угадать невероятно точный образ Воллара. В его одежде мы ощущаем некоторую щепетильность: платок белоснежного цвета выглядывает из его кармана. Известно, что Воллар был действительно невероятно элегантен.
Перед зрителем предстает разъятое на отдельные структуры лицо. Он состоит из плоскостей геометрического типа, которые предполагают обязательное интеллектуально е понимание этого необычного произведения. Цвета достаточно монохромны. Можно лишь ощутить довольно темные тона, преобладающие на общем фоне. Контрастов здесь практически нет. Здесь доминирует конструкция, все построение нарочито усложнено. Лицо героя невероятно драматично. Здесь кубизм наделен стилевыми особенностями абстракционизма.
Не может не поразить столь необычный угол зрения, открывающий зрителю даже затылок персонажа картины, но при этом мы не перестаем видеть его лицо. Совсем скоро именно эта работа станет для художников кубизма неким эталоном. Общепризнанно, что Пикассо изобразил Воллара в стиле кубизма более удачно, чем его изображали другие художники в обычном стиле реализма.
Воллар помогал деньгами многим уже достаточно известным художникам. Начинающие живописцы тоже удостаивались его поддержки, не только финансовой, но и моральной.
Пикассо сотрудничал с Волларом достаточно долго. Но он не смог понять кубизма художника
Этот портрет по праву считается лучшей картиной, которая была создано Пикассо в период его творчества, связанный с кубизмом.
Купальщицы Пикассо представляют целую серию картин, созданных в «Африканский период». Именно тогда художник начинает работать над идеограмамми (то есть рисунками, символизирующим и определенные идеи). Картины переполнены разными знаками, в основе которых иберийское искусство.
Главным знаком всей серии картин становиться женское тело. В работах Пикассо она приобретает новое таинственно значение, символизирует
Основой мотив автор выбирает обнаженных женщин на фоне природы. Для работы с натурщицами у Пикассо была своя личная мастерская, где модель могла расслабиться и принять необходимое положение. Мотивом для серии Купальщиц послужил символ первозданности и естественности. Эти картины сопровождали Пикассо на протяжении всего творческого пути.
Своих купальщиц художник рисовал год за годом. Он сделал множество эскизов и зарисовок для этого сюжета, пытаясь исполнить их в разных художественных стилях. В это время направление серии купальщиц развивается в мотиве картины 1918 года. На то время он уже был известным мастером, создавшим кубизм и творившем абстрактные сюжеты.
Однако в своих купальщицах он неожиданно вернулся к классике, желаю разнообразить школу своими нововведениями. Вместе с тем он осознает все недостатки классического направления о чем и говорит в новых произведениях. Его купальщицы изображены в неестественном положении, с вывернутыми руками и ногами. Кажется, что еще секунду и они рассмеются зрителю в лицо. Все движения купальщиц практически переломанные.
Картина мастера «Купальщицы с мячом», написанная в 1928 году. Здесь его образы до безобразия упрощены. Три силуэта будто бы сделаны из обычного картона. Язык символов, придуманный автором еще в Африканский период, появляется на этой картине.
Удивительно красивая манера писать полотна всегда восторгала публику. А уж Пикассо прожил достаточно большую жизнь, чтобы удивлять и поражать своими работами не одно поколение европейцев. Конечно, он не столь экстравагантен как Дали, но он тоже был со своими причудами и его портреты уж никак не назовёшь точной копией изображаемой женщины.
Но вот что интересно, как он смог применяя столь активные краски, столь яркие и броские, как он смог сопереживать этой женщине. Как-то сразу проникаешь в её горе, начинаешь думать, что же с ней произошло, что случилось с ней такого, что довело её до слёз отчаяния. Именно отчаяния, потому что в той чёрно-серой половинке полотна платок сжат губами и чувствуется что слёзы горькие. А такие слёзы только от горя или от отчаяния. Но что же случилось? Несчастная любовь? Потеря близкого? Потеря какой-то вещи? Кто знает? Может что-то и из этого списка, а может и вовсе всё вместе сразу.
Загадочный мир женщины и особенно её логики до сих пор никто не смог расшифровать. Но глядя на это полотно, понимаешь, что случилось нечто страшное и неразумное. И повторюсь, всё это в цвету, всё это жизненно. Просто может мы, не всегда обращаем внимание на то, как люди плачут. Пикассо на это своё внимание обратил и как итог это полотно и ещё ряд с таким же названием. Между прочим, это полотно называется «Плачущая женщина, №12». Вариантов много и в каждом вроде та же поза. Вроде то же самое, но всё-таки есть что-то своё присуще именно только этой в данном случае изображённой женщине. Но неизменно, так же, как и на этом полотне, отдельно изображается эта чёрно-серая гримаса горя, которое сильно искажает итак непритязательно е лицо.
Чтобы хоть как — то примазаться к славе Пикассо многие женщины говорили, что именно они позировали Пабло для этих полотен. Проверить это трудно, лица женщин на полотнах сильно искажено, но и поверить не хотелось бы, потому что почти все женщины, заявившие об этом, были весьма пенсионного возраста.
Пабло Пикассо экспериментиров ал с широким спектром стилей и тем. Картины отражают тенденции того времени и передают личные ситуации и настроение художника.
Работы, созданные в период с 1901 по 1904 годы, относят к «голубому периоду». Пабло Пикассо находился в глубокой депрессии и создавал мрачные картины с изображением бедных, больных и изгнанных обществом людей. Он создал немало картин на тему материнства.
Картина нарисована в 1901 году пастелью. Монохромная картина написана в оттенках синего цвета. Картина навевает чувство тоски и уныния. Она пронизана темой одиночества, нищеты и отчаяния. Холодные тона картины передают чувство меланхолии. Мать и ребенок – страдающие люди. Они сидят на полу, на фоне пустых синих обоев. Тем не менее мать прижимает ребенка к себе, так как нет ничего дороже на свете. Она представляет собой воплощение любви и сострадания.
Возможно, картина изображает суровые реалии материнства для бедной женщины из рабочего класса. Мамино сердце чувствует все намного глубже, чем мы можем представить. Смотря на картину, можно представить, что эта семья нищая и беспомощная. Нищета приносит и детям и родителям боль, несчастье и страдания. Но мать все равно растит чадо, и попытается сделать все возможное и невозможное, чтобы он ни в чем не нуждался. Она хочет уберечь свое дитя от всех несчастий и бед. И только сильный духом человек сможет пройти все эти испытания до конца.
Пространственная структура четко определена. Присутствуют преимущественно изогнутые линии. Особенно четко прорисовано покрывало и его складки, которым укутались мама и ребенок.
Произведение является одной из самых трогательных картин в «голубой период». Оно несет тяжелую эмоциональную нагрузку. Картина как будто отягощает, а сюжет психически давит на разум.
Пабло Пикассо – один из самых влиятельных художников своего времени. Он является одной из наиболее влиятельных персон 20-го века. Проявлять свою гениальность Пабло начал еще в раннем возрасте. Помогал и подсказывал ему отец, который работал в школе изящных искусств и являлся художником. Он был академическим художником и преподавателем, который придерживался традиционного и дисциплинирован ного обучения в живописи.
Картина «Пикадор» была написана, когда Пикассо было всего восемь лет. Она считается одной из первых работ художника. В ней он отразил свои впечатления от корриды, на которую его сводил отец. Коррида – это смертельная битва быка и человека. Быка полного силы и ярости выпускают на арену, а тореадоры дразнят его. А затем выходит пикадор на бронированной лошади. Люди с безумие кричат от напряженности, сидя на трибунах. Именно пикадор всаживает в быка пику и пускает первую кровь.
В картине, скорее всего, изображен выход пикадора. Он уверенно сидит в седле и готов выполнить свои обязанности. От него чувствуется мудрость и опыт. Наверно, это уже не первый бой пикадора. В бое быка и человека он видел мифологический символ, воплощающий страдания и гнев. Драма этой ожесточенной борьбы стала постоянной темой в его творчестве.
Большую часть картины занимает коричневый цвет. В темных тонах выполнена и арена, и зрители, и трибуны, и лошадь. Темно-коричневы й цвет обычно связывают с насилием. Только одежда пикадора выделяется своим желтым цветом. По одной из версий, желтый цвет олицетворяет риск. А личности, которые носят желтую одежду энергичные, авантюрные и активные.
Хоть в картине не происходит ничего ужасающего, ощущается напряжение оттого, что знаешь, что будет дальше. Со своим произведением Пикассо не расставался до конца жизни.
Это одна из самых известных работ испанского художника, скульптора и дизайнера Пабло Пикассо. Картина написана в 1931 г. в жанре сюрреализма. И хотя Пикассо мало интересовался идеями сюрреалистов, в определённый период своего позднего творчества он нашёл вдохновение в так называемых принципах психического автоматизма и особой, конвульсивной красоты. В немалой степени на восприятие Пикассо в тот период повлияла и сюрреалистическ ая поэзия.
Так или иначе, но в течение нескольких лет художник писал работы, в которых довольно радикально изображал человеческую природу. Атмосфера картин создаёт мир галлюцинаций, конвульсивных движений и непрекращающейс я истерии. Под кистью художника возникают образы монстров, распадающихся на части, кричащих, превращающихся в нечто неведомое.
Картина «Фигуры на берегу моря» воплощает одну из подобных метаморфоз, объединённых с агрессивным эротизмом. Техника написания работы выглядит свободной и сложной одновременно. Бег переплетающихся линий создаёт сложные геометрические формы. Чтобы подчеркнуть это, Пикассо прибегает к ярким цветовым акцентам.
В период сюрреализма женщины на картинах Пикассо изображаются в пугающем виде и напоминают сложные детали неведомой машины. Человеческие конечности теряют привычную для зрителя форму, становясь похожими на острые, гладкие, идеально выточенные детали. Вместо привычных выражений лиц – оскал и острые зубы. В такой интерпретации женский облик приобретает угрожающие, хищные черты. Женское тело словно распадается на составные части, из которых волей художника складывается монстр.
Картина «Фигуры на берегу моря (поцелуй)» находится в персональном музее художника в Париже. Дальнейшие сюрреалистическ ие эксперименты с человеческой натурой вдохновили Пикассо на создание скульптурных произведений.
Пабло Пикассо – великий живописец, который написал множество картин. Лучшие полотна художник творил уже после своих 70. Написал он довольно много изображений и, что самое интересно в этом, больше количество их были в разных стилях рисования. В африканский период Пикассо представил автопортрет, создан 30 июня 1972 года, и этим произведением искусства завершает серию автопортретов. Особенность рисунка в том, что он выполнен цветными карандашами. Все портреты художника имели глубокий смысл, как и этот, что был создан 9 месяцев до его смерти. Все они были связаны со случаями из жизни творца и отображали его состояние, настроение, размышления и т.д. Пабло делал свое лицо «лабораторией» для формальных экспериментиров аний. Эту работу Пикассо именуют, как «Лицо смерти». Ведь автор создал очень необычный образ, над которым работал 3 месяца. Без жалости художник превратил свое лицо в тяжелые геометрические блоки, что сильно грубит облик творца.
Пабло рисовал очень жесткими линиями и по этому лишил изображения света, вместо него темный жуткий красный фон, что значительно усиливает в автопортрете плоскостность и экспрессивность . С картины на зрителей смотрит серьезный и напряженный человек. С первого взгляда можно и не заметить, на за жестоким лицом прячется ранимая душа поэта. Творец говорил: «Кто грустен, тот искренне», возможно, именно по этой причине Пикассо выбрал такой художественный стиль, чтобы передать нам свои чувства, переживания, возможность зрителя ощутить душу автора.
Безусловно, автопортрет, как и прежние, показывает нам темные глаза Пабло, но уже не видно той самоуверенности , гордости, чувства гения. Осталось только представления о жизни просто смертного человека, каким и был Пикассо. Свои стилем рисования художник хотел «уничтожить Бога», по этому и был дерзко самоуверенным в себе, но, как видите, все закончилось его самоуничтожения м.
Картина «Арлекин» была написана Пабло Пикассо в 1917 году.
Причиной для написания картины была поездка с будущей женой, Ольгой Хохловой, и гастролировавши м цирком в Барселону. После поездки Пикассо написал портрет Ольги и печального «Арлекина» в голубоватой рубашке.
Вообще, цирк сыграл немаловажную роль в создании многих работ Пикассо, послужив как темой, так и мотивом для их написания. Увлечение темой цирка и циркачей у художника началось предположительн о с 1905 года, после того, как тот побывал в цирке Медрано, став затем его завсегдатаем.
Арлекин, герой комический и веселый, изображен уже вне своего образа. Не успев снять свой клетчатый сценический костюм, он уже снял маску веселья и беспричинной радости. Нет, он не в печали и не в отчаянии, но его взгляд и черты лица выдают небольшую грусть и в большей степени усталость. Мы видим в нем человека, который ничем не отличается от любого из нас, который вне сцены не продолжает играть на публику, а просто живет, волнуясь и радуясь только взаправду.
Да, нет на этой картине цирка и ярких представлений, автора здесь интересует исключительно личность человека, его душа. Клоуны и арлекины, участники цирка, видятся на таких картинах нам совершенно по-новому: после представления или в повседневной жизни – они живут так, как будто и работают не в цирке.
Присутствие на подобных картинах атрибутики цирка: костюма, занавесов, грима или декораций, усиливает эффект, давая возможность сопоставить образ на картине, в котором предстает публике ее герой. Они показаны в будничной жизни, семье или на репетиции. Циркачи одеты в костюмы своих героев. В жизни эти люди бескорыстны, честны и добры, им чуждо лицемерие и корысть. Именно таким видел цирковой мирок хорошо с ним знакомый Пабло Пикассо.
«Танец», написанный Пабло Пикассо в 1925 году, по-другому называется «Три танцора» (иногда «Три танцовщицы») и считается картиной, дата написания которой является датой начала периода сюрреализма в творчестве художника.
Что стало причиной такой негативной эмоционально-эк спрессивной окраске картины, и почему выбран именно такой сюжет? Одной из причин тяжелого настроения в картине называют сложности в отношениях Пабло с его женой, Ольгой Хохловой, которые шли к разрыву. Отсюда и сюжет: балетный круг был очень близок женщине, и в попытке изобразить его, по словам искусствоведов, Пикассо не мог сопротивляться своему настроению и эмоциям.
Другая причина для изображения трех танцующих фигур был любовный треугольник, свидетелем которого был художник. Его друг, втянутый в эти отношения, застрелился из-за своей возлюбленной, которая стала затем женой другого, которого всегда любила. Однако последний умер как раз в 1925, во время написания картины.
Как уже было сказано, это первая работа художника в жанре сюрреализма. В ней автор разбирает тела танцоров и танцовщиц, составляя из них затем новые, которые переливаются в причудливые формы и фигуры, создавая множество теней и образов. Лица же персонажей выражают эмоции, распознать которые довольно сложно из-за их символического изображения. Все эти танцы происходят в комнате с желтым полом и черно-коричневы ми открытыми дверями.
Было распространено мнение, что семейные проблемы послужили причиной изображения взявшихся за руки людей, как странноватых изуродованных игрушек, вроде марионеток на ниточках. Но лишь в 65 году Пикассо дал объяснение, что полотно изображает «Пляски смерти», связанные с гибелью двух хороших друзей художника из-за девушки, которая не принесла счастья в браке ни тому, ни другому.
Картины Пикассо долгое время никем не были признаны, так как их ровным счетом никто не понимал, а тех, кто находил в них некое обаяние, можно было пересчитать по пальцам одной руки. Так продолжалось вплоть до того как он стал писать в собственном стиле, получившем название кубизма. А лучшие его картины были написаны еще в раннюю пору жизни, и среди них «Скрипка», год написания, которой 1912. Причем художник, как всегда, отходит от традиционного изображения предметов, он предпочитает дать зрителю возможность самому осмыслить увиденное и составить целостное изображение.
Вот и скрипка разобрана на сотни мелких деталей, сложить которые предоставляется возможным каждому. При этом все отдельные детали этой скрипки сплочены воедино, каждая из них вырисована с очень высокой точностью и детальностью. Целью художника стало не само изображение скрипки, а желание запечатлеть музыку, которую можно получить при помощи скрипки. Музыку, которая звучит синхронно творчеству самого художника, увлекшегося в это время музыкой и музыкальными инструментами.
Картина размещена в яйцевидном овале, по задумке художника именно овал должен был напоминать зрителю о скрипке. Для того чтобы показать зрителю, что это действительно скрипка Пикассо вклинивает в картину деревянные элементы, служащие прекрасным напоминанием о том, что перед взором самая настоящая скрипка, увидеть которую способен только мыслитель.
Картина написана в стиле кубизма, но это уже не ранний кубизм, а более зрелое его осмысление, которое художник выразит в последующих картинах, все, также ставя перед поклонниками своего таланта неразрешимую задачу, и вопрос: что, же хотел сказать великий мастер в этой картине? Подобных картин у Пикассо было несколько, так как этот период его творчества целиком посвящен музыке, и потому спустя год в 1913 году появляется картина «Скрипка и виноград», «Кларнет и скрипка», и еще несколько картин этой же тематики.
Прожив долгую и плодотворную жизнь, художник сменил множество направлений в искусстве, но кубизм по-прежнему остается вершиной его творчества.
Знаменитая картина великого художника Пабло Пикассо «Сон» была написана в период сюрреализма в 1932 году. На полотне изображён портрет Марии-Терезы Вальтер. Эта любимая женщина Пикассо, которой он посвятил множество своих картин. Картина яркая и колоритная, округлые формы Марии-Терезы подчёркнуты с особой тонкостью и нежностью.
Художник ни одну женщину так больше не писал. Он восхищался своей музой, которая вдохновляла его на грандиозные подвиги. Этой женщине всего 22 года, но она прочно вошла в жизнь мастера, покорив его сердце. Он не зря использует яркие краски: красный – цвет страсти, зелёный – цвет спокойствия и умиротворения, жёлтый – цвет гармонии в отношениях, бёлый – цвет надёжды, голубой – цвет любви и ожидания чуда.
Руки женщины нежно сложены на животе, это подчёркивает то, что она ждёт долгожданного младенца. На её лице изображена полная гармония и блаженство, но чёрные линии присутствуют не зря, потому что не всё в нашей жизни не так легко и гладко, как хотелось бы, даже с такой нежной и романтичной особой.
«Сон» или «Мечта» (второе название картины) – это самый знаменитый сюжет из любовного периода, когда мастер писал множество подобных картин на эту тематику. История любви одновременно романтична и трагична, своё состояние автор передал на холст. Художник написал портрет всего за один день, он работал в любимом замке в Париже в 1930 году, который он купил для своей дорогой женщины. В течение нескольких лет там было написано множество полотен, посвящённых Марии-Терезе. Мария-Тереза родила ему внебрачную дочь, которую он в последствие тоже изображал на своих полотнах.
Картина Пикассо относится к самым дорогим полотнам мира. Сейчас полотно находится у частного владельца, который приобрел её за 115 миллиона долларов. Эта самая дорогая оценка произведению, за всё время его существования.
Картина «Натюрморт» согласно подписям под ней самого автора называлась – «Порей, череп и персики», и была создана в 1945 году. В этот период художник создает целый ряд картин подобного рода, с одним и тем же сюжетом, но с изменением некоторых деталей. Среди нагромождения всевозможных треугольников на картине явственно просматривается череп, тем явственней, чем больше его округлые формы отличаются от окружающей остроты углов.
«Натюрморт» написан в конце войны, которая так поразила художника, что ей он посвятил целый период своей жизни, так и называемый в искусстве – «Война. Герника». И действительно картины этого периода темные и мрачные, так в «Натюрморте» преобладают сиреневые и синие краски, и только золотистый череп выделяется из общего плана картины. Но создав центр картины темным, как бы призывая зрителя посмотреть именно в эту сторону, Пикассо осветлил края полотна, придав им вид расходящихся солнечных лучей. Видимо такое написание не случайно, поскольку война уже заканчивалась, и впереди маячило светлое будущее, в котором больше не будет черепов и костей, но по-прежнему останутся натюрморты.
Данная картина принадлежит к серии из трех подобных картин, которые носят такие же названия, но имеют слегка видоизмененный сюжет, написаны картины одновременно, и чтобы их как-то разделить, принято вводить цифровое деление от 1 до 4, так как именно столько картин под одним общим названием написал художник. Сам он себя величал Чертом, и потому, когда ему задавали вопросы о том, зачем он изображает в картинах настолько гнетущее воплощение смерти, отвечал, что Черту больше изображать то и нечего.
На самом деле жизнь художника не была настолько мрачна, как этом жжет показаться из черепа, изображенного на картине, поскольку Пикассо прожил до 90 лет и умер уже в известности, хотя самая настоящая слава все же пришла после смерти.
Эта работа, написанная Пикассо в стиле синтетического кубизма, была создана им в Фонтенбло летом 1921 года. Принято считать, что она изображает умершего Гийома Аполлинера, Макса Жакоба и самого художника. Аполлинер изображен в виде Пьеро с кларнетом, Жакоб написан в образе монаха с аккордеоном, а Пикассо предстает перед нами как Арлекин со скрипкой. Сейчас полотно висит в Художественном музее Филадельфии.
Начало двадцатых годов, несмотря на стремительно развивающиеся военные события, стали наиболее плодотворными в жизни автора холста. Художник не подлежал военному призыву, поэтому в этот период он полностью посвятил себя творчеству. Первые годы мировой войны принесли ему покой и неиссякаемое творческое вдохновение. Он погрузился в работу и в уединении экспериментиров ал в формами и цветовыми палитрами.
Картина выполнена реалистично, но в ней нельзя не заметить неоклассицизм. Фигуры словно смоделированы отдельно друг от друга, нас не покидает ощущение, что они по отдельности наклеены на полотно. Благодаря выбранному автором стилю границы персонажей не выглядят жесткими. Они тяжеловесны, но контуры их тел словно расходятся в пространстве, позволяя увидеть объем, текстуру, настроение и движение.
Традиционные шутовские одеяния в стилистике «комедиа дель арте» для главных персонажей своего полотна известный испанский художник подсмотрел в труппе римского театра. Он пытался уловить каждую мельчайшую деталь, что позволило ему максимально реалистично передать образы друзей в своей работе. Он страдал от ограниченности выбранного стиля, который не позволял ему в полной мере воплотить все творческие мысли. Именно поэтому Пикассо стремится к тому, чтобы модернизировать сформировавшиес я каноны и добавить в них индивидуальност и.
Сама картина известного испанского художника и скульптора Пабло Пикассо под названием «Авиньонские девицы» практические возникла на почве его впечатлений от девушек публичного дома, расположенного в квартале Авиньон в городе Барселона (Испания). При этом сразу же стоит сказать, что первоначальная версия картины, была совсем другой, то есть на ней были изображены моряки и еще студент-медик который держал в руках череп, которые сидели около проституток. Череп обозначал смерть, а проститутки секс согласно замыслу художника. Однако идея вскоре претерпела изменения и Пикассо оставил на картине только пять «жриц любви», которые стоят перед шторой, открытой только наполовину. Также на картине изображен небольшой натюрморт из фруктов, размещенный в нижней части полотна.
Картина была написана Пикассо еще в начале прошлого века, то есть в 1907 году, и сама суть того стиля, в котором она была выполнена означает не что иное, как некий психологический вызов. А все потому, что изображенные на картине люди имеют достаточно резкие формы, больше напоминающие некую живую изгородь, нежели реальных людей. Это фирменный стиль Пикассо, который принес ему всемирную славу.
Процесс творения данной картины можно разделить на два этапа, каждый из которых имеет свои особенности. Причем первый из них был, по сути, наиболее продуктивным, потому как именно во время него художник смог изобразить три центральные фигуры девушек легкого поведения, за исключением головы женщины слева. В этой картине Пикассо презирает все правила основ художественного искусства времен Ренессанса, потому как специально изображает колени и груди девушек угловатыми, и обращает особое внимание на носы и тяжелые подбородки. Эксперты утверждают, что именно эта работа и стала предвестницей нового жанра искусства, а именно кубизма.
Картина является всеобщим протестом против бомбардировки нацистов на город Герника. Она наполнена чувствами насилия, агонии, горя и страдания. От неё веет трагическим ощущением смерти, уничтожением и разрушением. На картине нет ни бомб, ни города, только пламени огня.
Образы, изображённые на полотне, переданы достаточно в упрощённой форме. Создаётся ощущение нахождения в подвале. На лице мужчины и женщины, которые обращены к зрителю, выделяется широко открытый от крика рот, сдвинутые выше лба глаза и отверстия ноздрей. В правой части полотна можно наблюдать фигуры, которые бегут от горящего здания.
Их окна этого здания падает женщина. Возле мужчины, у которого подняты руки вверх, видны два человеческих очертаний лица, которые напряжены и встревожены, но наполненных решимости. В левой части полотна изображена рыдающая мать, с запрокинутой назад головой, держащая в руках умершего ребёнка. Это образ символизирующий горе всех матерей. Смерть их детей. Рядом с ней виден образ быка с явно выраженным равнодушием, который топчет падшего воина. В его руках сломанный меч, он находится в позе, чем-то напоминающее распятие.
Воин символизирует зрителю физическое страдание. Символ быка – это жёсткость, олицетворение фашизма, а лошадь –страдание невиновных. Женщина, изображённая с профилем античной богини, держит горящий светильник с выдвинутой вперёд рукой. Вместо зрачка у неё электрическая лампочка. Её рот широко раскрыт, она кричит, но её уже никто не слышит. Лошадь бьётся в припадке конвульсии. Над всеми этими изображениями расположена лампа накаливания.
Всё кругом гибнет и разрушается. Картина наполнена символами гнева, боли и мести. Большую роль играют линии, местами тонкие и круглые, а то вдруг острые и преломляющиеся. Они как бы выражают человеческую психику с ужасом и болью.
Это, пожалуй, одна из самых известных картин Пикассо. Свой шедевр художник написал в 1905 году. «Девочка на шаре» знаменует собой новый период в творчестве Пабло Пикассо, который исследователи назвали «розовым». Полотна художника становятся более жизнерадостными и позитивными. Основные герои его картин в это время – люди циркового искусства. Стоит отметить, что в выборе тематики Пикассо был не одинок. Многие художники в начале века запечатлевали циркачей, ощущая с ними некое духовное родство.
На холсте «Девочка на шаре» Пикассо изобразил бродячую труппу акробатов. В центре композиции находятся двое артистов – девочка-гимнаст ка и силач. Ребенок балансирует на шаре, репетируя свой номер. Фигурка девочки грациозно изогнута, она подняла руки, чтобы удержать хрупкое равновесие. Атлет сидит неподвижно, его мощное тело исполнено спокойствия. Двое артистов резко контрастируют друг с другом. С одной стороны, хрупкость и порывистость тоненькой девочки на шаре, а с другой – сила, мощь и статичность мужчины, сидящего на кубе.
Основным выразительным средством Пикассо по-прежнему остается линия. Но в отличие от картин «голубого» периода, здесь мы видим еще и перспективу. В полотне «Девочка на шаре» строится с помощью нескольких горизонтальных линий и маленьких фигур на заднем плане (женщина с ребенком и белоснежная лошадь). Из-за этого картина не выглядит плоской, в ней есть легкость и воздушность.
В качестве фона выбрано изображение голой пустыни или степи. Эта обстановка не слишком соответствует настроению цирка. Тем самым художник подчеркивает, что жизнь этих людей не состоит только из веселья, ликования и аплодисментов зрителей. В ней есть также нужда, горе, болезни.
Очень характерна и цветовая гамма, выбранная художником. Голубой цвет, столь любимый Пикассо, остался лишь в одежде атлета и гимнастки. А в остальном в картине преобладают оттенки розового цвета.
«Любительница абсента» гениального Пабло Пикассо была представлена на суд зрителей в 1901 году. Надо сказать, что это была далеко не первая картина, изображающая абсент – столь популярный среди парижской богемы того времени напиток. Молодой Пикассо в каком-то смысле отдал дань тогдашней моде, посвятив ему одно из своих творений.
На картине мы видим типичный для того периода сюжет – одинокий человек в кафе. В случае с Пикассо эта усталая женщина, пьющая абсент. Как известно, он славится своим умением погружать людей в мир фантазий и галлюцинаций. Последним, кстати, и объясняется его популярность у творческих личностей. Полынный напиток был своеобразной музой многих художников и писателей той поры. Поэтому не исключено, что героиня картины также является человеком искусства.
Впечатление от картины может сложиться довольно тягостное, т.к. изображенная сцена исполнена драматизма. Обреченный вид женщины выражает крайнюю степень одиночества и даже заброшенности. На это намекает и чересчур большая кисть правой руки – словно дама пытается обхватить и от чего-то защитить ею себя. Или, быть может, отгородиться от людей и всего этого мира. По лицу можно понять, что женщина глубоко погружена в свои мысли и находится где-то далеко за пределами этого кафе.
Вместе с тем у зрителя может создаться ощущение, что взгляд героини обращен прямо на него, как будто она изучает и пытается разгадать его. На губах женщины некое подобие улыбки, но улыбка эта не радостная, а скорее саркастичная. Лицо женщины угловатое, взгляд сумрачный и опустошенный. Тело ее застыло в своей неподвижности, даже как будто окаменело. И в то же время фигура выдает ощущение нервности и напряженности.
«Любительница абсента» представляет собой полотно невероятной степени колористики. Столь контрастные краски были выбраны художником не случайно. Они призваны подчеркнуть контраст человеческой жизни и ее обстоятельств. Краски излучают, с одной стороны, внешнее спокойствие, а с другой – говорят о внутренней борьбе, происходящей в душе героини. Позади виден угол, который очерчивает темная полоса. Возможно, он символизирует жизненный тупик, в котором оказалась эта несчастная женщина.
Эту картину Пабло Пикассо закончил в 1901 году во время своей второй поездки в Париж. На момент написания картины художнику исполнилось всего 19 лет. Это было непростое время для художника. Несмотря на юный возраст, Пикассо уже познал горечь потери. Незадолго до этого он трагически потерял своего близкого друга, Карлоса Касагемаса. Тот тоже был художником и покончил жизнь самоубийством. Пабло тяжело переживал смерть близкого человека. Но с другой стороны, именно это болезненное событие послужило толчком для нового витка творчества художника. Пикассо наконец-то находит свой собственный, ни на кого не похожий стиль. До этого художник учился у других мастеров и пытался им подражать.
Позже историки живописи назовут время с 1901 по 1905 года «голубым» периодом в творчестве Пабло Пикассо. А картина «Женщина с шиньоном» стала одной из первых по-настоящему самобытных работ мастера. В центре композиции находится фигура молодой женщины. Она сидит, опершись локтями о поверхность стола. В позе модели видна тревожность и напряжение. Руки женщина поставила перед собой, а плечи слегка выдвинула вперед. Кажется, что она пытается отгородиться, защититься. Глаза под изящными полукружьями бровей исполнены грусти и печали. Уголки губ скорбно опущены. Лицо красиво, четко прорисованы линии скул. Но лицо лишено симметрии, скошено, словно от какой-то душевной боли и страдания.
В композиции картины нет никаких лишних деталей. Поверхность полотна разделена по горизонтали на три части – бледно-желтый стол, графитовая поверхность дивана и серо-голубое пространство стены. Пространство на заднем фоне ограничивает картина, край которой теряется за пределами художественного полотна.
Линии рисунка скупые, четкие, плавные. В гамме преобладают серые тона. Позже на смену им придут разнообразные оттенки синего и голубого, которые и дадут название всему творческому периоду Пикассо. Единственное яркое пятно – горчично-желтая блузка женщины. Но этот цвет не в силах добавить картине света и жизнелюбия, он лишь вносит свой вклад в общее впечатление тревоги и безысходности, которое остается от картины.
Пабло Пикассо родился в Испании, творил во Франции, а его творчество принадлежит миру. Но не тому реальному, привычному, осязаемому органами чувств, а вывернутому наизнанку, упрощенному до примитивности, хаотичному и дисгармоничному миру.
Смело нарушая, и грубо разрушая все традиции и законы, выходя за пределы естественных пропорций и принятых перспектив, творчество Пикассо шокирует, обескураживает, отталкивает и завораживает. Проходя по грани уродства, тонко задевает самые глубинные, скрытые от самого себя струны человеческой души.
Голуби – одна из самых излюбленных тем художника. Его знаменитый голубь мира облетел все континенты, а именем голубки, по-испански Паломы, он назвал свою самую младшую дочь, которая родилась, когда художнику было уже почти 70 лет. Пикассо хорошо знал повадки голубей и не обольщался по поводу их благородства. Это слабые, глупые, исключительно агрессивно настроенные птицы, которым ничего не стоит заклевать до смерти своего сородича.
У картины «Голуби» есть несколько вариантов, незначительно отличающихся друг от друга. Можно рассмотреть четыре картины одинаково названные, которые представляют собой открытую террасу с видом на море, где живут голуби. В первом варианте хорошо прописан второй план – уголок морского пейзажа, небольшая песчаная коса с деревом на ней. Две птицы воркуют на решетке террасы, два голубя сидят на траве, еще по одному – в нишах, возможно, на гнездах.
Во втором и третьем вариантах картины голубей значительно больше, вид на море заслоняют разросшиеся растения. Четвертая картина штрихами прорисована, более нереалистична, чем предыдущие произведения. Три голубя клюют пищу на полу, три сидят в клетках, еще один сидит на решетке, едва обозначен на фоне неба. А что все это обозначает, никто не ведает.
Дона Маар была любовницей, верной спутницей жизни и подругой Пабло Пикассо. Эта была красивая, загадочная женщина. Причиной того, что она всех полотнах Пикассо Дона изображена крайне жутко, стал период, в который разворачивались отношения этой женщины и великого художника. Мировая Война отразилась на всех сферах жизнедеятельнос ти каждого человека. Не обошло это и творчество испанского мастера кисти. Союз Доны Маар и Пабло Пикассо нельзя называть романтическим, сентиментальным . Правильнее будет говорить, что их отношения были организацией двух умов, интеллектуалов, художников.
Не секрет, что когда два человека с сильным характером сходятся, их отношения являются больше борьбой между двумя неординарными личностями. Возможно, именно в силу этого факта, Пикассо рисовал красавицу Дору очень искаженно, придавая ей острых углов и темных оттенков.
Характерными объектами для Маар на полотнах Пикассо стали шляпки и длинные острые ногти. Шляпка подчеркивала причастность женщины к сюрреалистическ ому движению. В жизни эти детали внешности были достаточно важны для женщины, возможно, поэтому Пикассо подчеркивал их в своих произведениях.
В портрете «Дора Маар с кошкой» подчеркивается острота ноготков присутствием маленькой черной кошки. Ногти, изображенные на картине, являются символом ногтей необузданных представителей кошачьих. Синие ногти нарисованной Маар являются символом обладания мощью, насилием. Пабло Пикассо не единожды заявлял, что характер Доры Маар он сопоставлял с темпераментом афганской кошки.Художник прибегал к кубическим способам рисования. Таким образом, он переработал красивое, утонченное, овальное личико возлюбленной Доры в неузнаваемую и деформированную карикатуру. Ухо женщины на изображении расположилось под глазом, рот искривился в улыбке. Да и само лицо представлено одновременно с двух сторон: фронтальной и профильной.
За женщиной находится кошка. Ее позиция тоже достаточно неопределенная. С одной стороны, животное достаточно милое и забавное, но окрас кошки подчеркивает устрашающие ноты произведения. Соединение женщины и кошки Пабло Пикассо представлял как комбинацию бесконечной сексуальной агрессии и хитрости, свойственной представительни цам прекрасного пола. Определенно, что черная кошка – это символ горячей, огненной личности Доры Маар и самих отношений между двумя художниками. Таким образом, сплетение самых разных эмоций Пикассо вылилось на полотно «Дора Маар с кошкой», которое является гордым достоянием шкатулки мирового творчества на сегодняшний день.
Ярким представителем «розового периода» творчества испанского художника Пабло Пикассо является картина «Мальчик с трубкой». В момент написания этого полотна гению кисти было всего лишь 24 года; писал он ее на Монмарте, в общежитии Бато-Лавуар в 1905 году. На картине можно видеть неизвестного человека-мальчи ка, который держит трубку в левой руке, а на голове его надета корона из больших ярких роз.
Портрет «Мальчик с трубкой» на протяжении долгого времени являлся особенным, главным произведением в собрании известного коллекционера Америки – Дж. Уитни. В недалеком 2004 году изображение неизвестного ребенка ушло с аукциона «Sotheby’s» за 104 млн. доллара. Стартовая цена в 70 млн. долларов уже была беспрецедентной для рынка искусства.
Насколько высокая стоимость вполне объяснима. В первую очередь, провенанс портрета был безупречным. Во-вторых, картина «Мальчик с трубкой» уникальна – работы раннего Пабло Пикассо очень редко можно встретить на рынке; практически все представители его «розового» и «голубого» периодов относятся к музейным экспонатам.
Такая цена в тот момент стала рекордной, обогнав цену, которая держалась на протяжении 15 лет на картину кисти голландского мастера Ван Гога под названием «Портрет доктора Гаше». Рекорд суммы за «Мальчика с трубкой» держался 6 лет, до 2010 года.
В выборе красок мастер отдал предпочтение розово-золотист ым, розово-серым тонам; синий костюм на ребенке является символом болезненности и отрешенности этого человека от всего мира.
Интересны обстоятельства написания шедеврального полотна Пикассо. Он являлся представителем парижской богемы, яркими представителями которой был Гийом Апполинер, художник Жорж Брак, Амадео Модильяни, Анри Матисс. Но с другой стороны он проживал в очень бедном квартаре, общаясь с местными жителями, совершенно нищими и потерянными людьми.
В круг его знакомых входили проститутки, бродячие артисты, уличные торговцы. Портрет «Мальчик с трубкой» изображает маленького Луи, уличного мальчишку, который стал приятелем великого испанского художника. Ребенок часто наблюдал за работой мастера, и с течением времени сам стал персонажем его полотен.
Не удивительно, что такая загадочная работа занесена в книгу рекордов Гинесса как одна из самых дорогих картин. Результат «розового периода» великого Пикассо «Мальчик с трубкой» уверено занял пятую позицию в этом списке.